ВЕЩНЫЙ МИР, ЗАПЕЧАТЛЕННЫЙ КИСТЬЮ

10 ноября в г. Губкине в выставочном зале Дворца Культуры «Форум» открылась вторая в этом году выставка, сформированная из произведений фондового собрания Белгородского государственного художественного музея. Экспозиция «Свой тайный смысл доверят мне предметы…», включившая 26 живописных работ советских и российских (в тои числе белгородских) художников ХХ-ХХI вв., знакомит зрителя с жанром натюрморта и его разновидностями.

1. Глюдза Ю.С. Натюрморт с грушами

Как самостоятельный жанр – натюрморт («мертвая натура») возник в Голландии на рубеже XVI и XVII вв. и быстро достиг необычайного совершенства в передаче многообразия предметов материального мира, утвердил эстетическую ценность привычных обыденных вещей.

Произведения, представленные на выставке, объединяет стремление авторов показать красоту повседневно окружающей нас жизни, увидеть ее по-новому, приглядеться к будничным вещам и ощутить их особенную поэзию, понять, что и повседневные предметы могут быть наполнены особенным настроением и нести в себе рассказ о людях, живущих среди них.

В истории искусства сложились два основных типа натюрморта. В одном – предметы говорят, прежде всего, не о самих себе, а о своем хозяине. Это как бы его косвенная характеристика. В ином типе натюрморта вещи изображаются, скорее, как нечто самоценное. Они говорят, в первую очередь, о себе, словно предлагая зрителю полюбоваться красотой их облика, формы, цвета, ощупать фактуру и предметные качества.

2. Соколинский В.М. Натюрморт с керосиновой лампой

Первый тип натюрморта в большей степени отражен в работах В.М. Соколинского, А.С. Работнова, Д.А. Игнатьевой. Неодушевленные предметы для этих авторов – сфера не только поиска формы, но и содержания – через них идет осмысление и «вещного мира» как части реальной жизни, и его неотъемлемой связи с человеком. К особой группе в этом ряду можно отнести натюрморты с ярко выраженным мемориальным характером. «Натюрморт с фотографией» Ю.В. Данченко лаконичным набором предметов отсылает к событиям Великой Отечественной войны, а работа В.Ф. Желобка посвящена памяти трагически погибшего талантливого советского художника Виктора Попкова, оказавшего большое влияние на развитие отечественного искусства 70-х годов прошлого века.

3.Желобок В.Ф. Посвящение В.Попкову. 1989

На экспозиции представлены натюрморты, относящиеся в основном ко второму типу, где вещи говорят о своей самоценности. Но и среди них можно выделить два вида. В одном из них – художники отдают все силы исключительно передаче натуры, правдивости фактуры предметов, их объема и цвета, что можно увидеть в работах В. Ф. Желобка, Д.А. Игнатьевой, А.П. Мамонтова и др.

4. Мамонтов А.П. Родное уходящее

В другом – изображенные предметы не только «говорят о себе», но и передают настроение художника, его чувства, эмоции. Как, например, в работах Т.Д. Ярковой и В.А. Ульянова. Живописный язык Т.Д. Ярковой в «Натюрморте с арбузом», производит впечатление внутренней гармонии – сочно написаны арбуз и фрукты, лежащие рядом с ним. В работе нет стремления автора точно передать детали, здесь все подчинено одному порыву – показать яркость красок плодов. В картине В.А. Ульянова «Натюрморт с красной смородиной» напротив, через подробную передачу деталей, тщательность написания складок драпировок, узоров рушников, характеристику всех компонентов натюрморта ощущается желание живописца донести красоту формы, фактуры разных предметов материального мира и через них передать очарование крестьянского домашнего быта.

5. Ярковая Т.Д. Натюрморт с арбузом

На выставке экспонируются натюрморты не только названных видов, наблюдаются и переходные, промежуточные разновидности, где выделяются или даже заостряются какие-то другие свойства предмета, например, декоративные, как в полотнах Н.С. Трошина (мотивы гжельской росписи) и И.В. Сорокина (узор жостовского  подноса).

6.Туржанская И.Л. Ночные розы. Гурзуф

В особую группу натюрмортов можно выделить композиции с цветами в работах М.В. Добросердова, В.Ф. Блинова, А.А. Давыдова, И.Л. Туржанской, В.Н. Ларионова. Цветы всегда были одной из наиболее популярных и постоянных тем натюрмортов. Они, безусловно, прекрасны, и уже одно это привлекает в них художников. Но главное живописцы стремятся остановить на холсте недолговечность и мимолетность их красоты, сохранить на долгие времена их эфемерное цветение.

7. Скаргина Л.В. Натюрморт с лимонов  По словам выдающегося советского живописца К. Петрова-Водкина – «натюрморт – это одна из острых бесед живописца с натурой...» и действительно этот жанр можно в определенной степени назвать творческой лабораторией живописи. В нем максимально раскрываются пластические и колористические возможности живописца, выявляются особенности его пластического мышления, поиски стилистических решений, что наглядно демонстрируют работы Ю.С. Глюдзы, Л.В. Скаргиной, В.М. Лузанова, П.А. Петяева, Л.Я. Микко.
Выставка, рассчитанная на широкий круг посетителей, будет работать до 17 декабря.

Cтарший научный сотрудник,
заведующая научно-экспозиционным отделом Половина Г. А.

ЗНАКОМЫЙ ПЕЙЗАЖ. ПЕРСОНАЛЬНАЯ ВЫСТАВКА ГЕННАДИЯ ОРЛОВА

В Белгородском государственном художественном музее работает персональная-ретроспективная выставка художника-пейзажиста Геннадия Орлова, приуроченная к 55-летнему юбилею автора.

Орлов Г.В.

На персональной выставке представлен любимый автором жанр – пейзаж. 30 живописных полотен приглашают зрителя в путешествие по самым красивым местам Белгородской области. Здесь и Шагаровский пруд, и Дубовое, и реки Нежеголь с Везелкой. Большая часть пейзажей посвящена Шебекинскому району и селу Безлюдовка, с которым у Геннадия Викторовича связаны теплые воспоминания из детства.

Родился Геннадий Орлов  13 июля 1961 года в Симферополе, а через два года семья переехала на Белгородчину. Любовь к искусству и живописи проявилась еще в детстве, но наиболее полно талант художника реализовался после службы в армии. Геннадий Викторович работал в производственно-творческих мастерских «Бытреклама» художником-оформителем на белгородской дистанции пути Южной железной дороги, а с 1991 года трудится в Белгородском государственном художественном музее.

Ранним утром

В картинах живописца проявляется живое, эмоциональное отношение к природе как к части самого человека. Выставка вызовет отклик в душе каждого зрителя: очень родные, знакомые, уютные пейзажи запечатлел художник. Поле воздушных одуванчиков, проселочная дорога в распутицу, утопающий в зелени пруд в летний полдень, туманное утро – словно образы летних воспоминаний. Картины Орлова по настроению близки к импрессионизму, так точно он передает личное впечатление от состояния природы, но при этом автор работает в традициях реалистической школы русской живописи. Художник изображает водоемы, леса, холмы, меловые горы, светлые речки, овраги – характерные особенности ландшафта нашего региона. Его кисть стремится схватить мимолетную красоту уходящего момента, ему точно удается передать вибрацию воздуха и в летний зной, и в дождливый день.

Дорога в облака

При простоте выбора сюжета пейзажные работы Геннадия Викторовича пронизаны поэтически утонченными мотивами, гармонией и покоем. Натура и воспоминания для художника – главный источник вдохновения, через картины он выражает свое мироощущение. В картинах прослеживаются и творческие искания автора – на выставке представлены произведения за почти 20-летний период творчества.

Хмурый день

Колористический строй полотен насыщен обилием теплого зеленого цвета. Приглушенные  золотисто-охристые и красные тона в осенних пейзажах, теплая гамма летней палитры создают особое чувство уюта. Гладкий, ровный и в то же время энергичный мазок позволяет точно передать эффекты освещения, воздушную среду и создают многослойный, плотный красочный слой.

Шагаровка. Август

Наряду с лирическими и сельскими пейзажами на выставке представлены и архитектурные: небольшие деревенские храмы в туманной дымке, сельские домишки. Художников издавна привлекали в сельском пейзаже умиротворенность и особая гармония с природой. Вот и Орлов стремится найти в разных состояниях природы соответствие личным переживаниям и настроениям человека. Полотно «Дорога моего детства» – образ ушедшего прошлого. В работах «На реке Нежеголь», «Вечер на Везелке», «Шагаровка. Август» отражена красота небольших белгородских рек и прудов.

Осень. Церковь Архангела Михаила

Геннадий Орлов работает художником-реставратором в Белгородском художественном музее. Реставратор внимательно изучает полотно, определяет недостатки и принимает решение, как их можно устранить. К тому же, монтаж практически всех выставок в музее не проходит без участия Геннадия Викторовича. Талант автора не ограничивается изобразительным искусством: в свободное время Орлов пишет стихи в жанре острой и меткой поэтической пародии. Для его произведений характерна авторская самоирония.

Выставка расположилась в холле первого этажа Белгородского художественного музея, рассчитана на широкий круг зрителей и продлится до 11 ноября 2016 года.

Младший научный сотрудник научно-экспозиционного отдела Ковынева М.А.

«ОБРАЗ РОДИНЫ» ИЛИ НОСТАЛЬГИЯ ПО УШЕДШЕЙ ЭПОХЕ

В выставочном зале Дворца Культуры «Форум» г. Губкина 25 июля открылась выставка произведений из фондов Белгородского государственного художественного музея «Образ Родины». Экспозиция объединила 25 живописных полотен советских художников второй половины XX века. Родина в представлении авторов – огромная и очень разная страна, с прекрасными пейзажами и сильными, мужественными людьми.

Жанровое разнообразие картин на выставке позволяет максимально полно передать настроение и дух эпохи Советского Союза. В экспозиции разместились портреты, пейзажи, сюжетно-тематические картины и натюрморт, выполненные в технике масляной живописи.

Одной из главных тем в советском изобразительном искусстве 70-80-х гг. XX века была тема труда, промышленного и индустриального развития страны. Именно поэтому героями портретов выступали рабочие: люди волевые, энергичные, целеустремленные. Словно кадр из репортажной хроники своего времени предстает перед нами человек из народа, труженик, изображенный в карьере, у станка на производстве. Так, героиней портрета  Анатолия Григорьевича Савинова «Маркшейдер» стала женщина, представитель нетипичной для слабого пола профессии горного инженера. Волосы убраны под косынку, взгляд прямой и открытый, направлен прямо в глаза зрителю – в 1960-1970-х годах наметилась тенденция к психологизации портретов людей физического труда. Стандарт красоты в советском обществе был связан с трудом, с человеком, создающим новую жизнь; лицо женщины сосредоточено, серьезно, и в то же время привлекательно. На заднем плане угадываются очертания мощных красно-коричневых машин, сливающихся с землей. Человек и окружающая среда на картине соединяются в едином образе, пейзаж не выступает как фон, а несет собственную смысловую нагрузку. Портрет выполнен в теплых красных, охристых цветах, что отсылает к цвету горной породы в карьере.

Маркшейдер


А.Г. Савинов родился в Губкинском районе Белгородской области, работал в составе творческой бригады художников на предприятиях КМА, писал этюды и промышленные пейзажи с натуры. Процесс разработки и освоения железорудного края он знал изнутри и очень честно изображал его в своих работах. В экспозиции представлен пейзаж художника «Лебединский рудник», выполненный в той же цветовой гамме, что и «Маркшейдер». Через темный, насыщенный колорит и с помощью свето-теневой моделировки огромных пространств карьера в картине передана мощь горных разработок. Тема новой жизни, нового времени, обновления отражена в картине Савинова «Старый Оскол. Новостройки».

Лебединский рудник

Пейзажная живопись советского периода наследовала классические традиции художественной школы XIX века, но при этом находила и новые подходы к изображению мира. Живописец ленинградской школы, заслуженный художник РСФСР Николай Николаевич Галахов представлен в экспозиции пейзажем «Лето у Белого моря». Художник с особой любовью передает суровую красоту северной природы, красочность недолгого, но яркого лета. В беломорских пейзажах автора присутствует особая фактура, напоминающая ткань, гобелен. Галахов выбрал для себя пленэрную живопись, прошел десятки километров дорог, полей, болот с рюкзаком, создал множество этюдов и пейзажей. Завет Левитана «Природу украшать не надо, но надо почувствовать ее суть и освободить от случайностей» может служить определением творчества Галахова.

Лето у Белого моря

В картинах народного художника СССР Юрия Петровича Кугача предметы проникнуты живым, деятельным отношением к окружающему миру. Для художника привлекательны все времена года: как солнечный майский день, так и дождливый осенний. В работе «Май. Сирень» изображен привычный, уютный деревенский пейзаж. Серый бревенчатый покосившийся забор, из-за которого выбивается бушующий куст сирени, вдоль забора – тропинка. Живописное полотно пронизано ощущением родной земли, дома, спокойствия и безопасности. Импрессионистический дар автора в полной мере проявился в пейзажах, представленных на выставке.

Май. Сирень

Народный художник РСФСР Юрий Станиславович Подляский создавал циклы работ, посвящённые стройкам в Сибири. В картине «Западный БАМ. На станции «Глубокая» чувствуется желание мастера показать сложные условия труда, в которых строилась магистраль, современную для того времени технику и могучие машины, управляемые человеком. Пейзажи Сибири и Дальнего Востока поражают воображение ощущением силы и мощи природы тех мест.

Западный БАМ. На станции Глубокая

Ностальгия разных поколений людей по ушедшей эпохе обусловила актуальность создания выставки «Образ Родины». Представленные в экспозиции произведения позволяют погрузиться в атмосферу жизни Советского Союза второй половины XX века, увидеть рабочие будни людей труда, прочувствовать красоту сельских и промышленных пейзажей. Познакомиться с выставкой посетители смогут до 20 сентября 2016 года.


Младший научный сотрудник научно-экспозиционного отдела Ковынева М.А.

БЕЛГОРОДСКИЙ АКВАЛЕРИСТ МИХАИЛ МАЛАФЕЕВ

В Белгородском государственном художественном музее проходит третья  персональная ретроспективная выставка Михаила Малафеева под названием «Времена года». Эта выставка приурочена к 75-летнему юбилею Михаила Алексеевича.

Малафеев М


Нашему зрителю уже знаком и полюбился акварелист Михаил Малафеев. Его теплые, воздушные и непосредственные акварели не могут оставить равнодушным любого человека, кто любит родной пейзаж. Поэтому каждая встреча с работами художника – это радость общения с творчеством человека, который любит свой край и с любовью рассказывает о нем людям.

Родился художник в 1941 году в поселке Красногвардейское, ныне город Бирюч Белгородской области. Здесь и прошли детские и школьные годы Миши. Семья их была небольшой, дружной. Все в семье прекрасно пели и любили музыку. А вот Михаил с детства любил рисовать. Изображал на бумаге все, что его привлекало: окружающую природу, героев своих любимых литературных произведений, практически никогда не расставался с красками и карандашами. В Красногвардейском Доме пионеров то время работал кружок изобразительного искусства, куда и пришел Миша Малафеев. Здесь он встретил своего первого наставника Лозенко Митрофана Петровича, научившего мальчика не только азам изобразительного искусства, но и умению видеть окружающий мир, его разнообразие и краски, познакомил с творчеством многих русских и зарубежных художников.
 
Вместе с Михаилом кружок посещали и его товарищи. Один из них, Линников Виктор, раньше ушел из школы и поступил в художественное училище города Курска. Он учился вместе со Станиславом Косенковым. Приезжая на каникулы в Красногвардейское, Виктор всегда делился со своим другом теми знаниями, что он приобрел за время, пока они не виделись. Эта информация мгновенно усваивалась Михаилом и применялась по мере сил в его работах.

Незабываемые впечатления остались у членов кружка от удивительной поездки в Москву. Ехали на крытой грузовой машине. Это продолжалось несколько дней. Все изрядно устали, но за время пути смогли побывать в Спасском-Лутовинове, в Ясной Поляне. И, наконец, – Москва. В Третьяковской  галерее – музее с мировым именем, Миша Малафеев увидел воочию то, о чем знал только по репродукциям. Его потрясла работа А. Саврасова «Грачи прилетели». Признанный шедевр русской живописи удивил своими небольшими размерами, но, главное, – настроением: состоянием щемящей, такой русской грусти, что царит в работе. Детские впечатления неизгладимы, память хранит их всегда. Любимым художником мальчика на всю жизнь остался Алексей Саврасов, а также Федор Васильев и Исаак Левитан.

Вечер на Тихой сосне 1978

Заканчивая школу, Михаил ясно понимал, что хочет быть художником. В 1960 году он едет в Одессу и  поступает в знаменитое художественное училище…

Одесское художественное училище имени М. Грекова – одно из старейших учебных заведений черноморского города было хорошо известно в Советском Союзе. Многие талантливые молодые люди стремились попасть в него. Из стен училища вышли знаменитые художники: Митрофан Греков, Василий Кандинский, Леонид Пастернак, Франц Рубо и многие другие. Как позже выясниться, это же училище закончил художник Владислав Ежевский, живший в Бирюче и преподававший изобразительное искусство в местной школе… Именно сюда и поступил юноша из Белгородской глубинки, несмотря на то, что конкурс был – четыре человека на место и конкурировать приходилось с людьми прекрасно подготовленными. Но талант взял свое. Строгая экзаменационная комиссия увидела в работах молодого человека незаурядные художественные способности и хороший потенциал.

Годы учебы были прекрасным временем. Михаил занимался любимым делом, полностью отдаваясь учебе и творчеству. Даже бытовые и материальные трудности не затмевали прелести студенческих лет. На 4 курсе, чтобы подработать, студент Малафеев давал уроки-консультации в Одесском кооперативном техникуме, где его очень полюбили и студенты, и преподаватели. Увидев в нем незаурядный преподавательский талант, Михаила приглашали остаться после окончания училища здесь преподавателем, но вмешались обстоятельства, и эту возможность не довелось использовать.
 
Заканчивались годы учебы. Наступил 1965 год, который был годом 100-летнего юбилея Одесского художественного училища. Была завершена работа над дипломом. Живописное полотно «Земля», воспевающее красоту родного края, его тружеников получило оценку «отлично». Председатель экзаменационной комиссии, профессор Киевского художественного института Владимир Костецкий отметил работу молодого художника, как одну из самых удачных. Выпускников Одесского художественного училища ждало много интересных дорог, предложений. Но состояние здоровья Малафеева не позволило ему продолжить учебу в вузе.
Выпускной акт совпал с празднованием знаменательной даты образования училища. На торжества в учебное заведение приехали выпускники многих поколений. Среди высоких гостей был и Евгений Адольфович Кибрик, выдающийся советский график, который в 1922–1925 годах сам был студентом этого училища. Михаил Алексеевич вспоминает, что на всех студентов большое впечатление произвела речь Кибрика на выпускном вечере, состоявшемся в Клубе моряков на Приморском бульваре. Знаменитый художник еще раз подчеркнул главную суть изобразительного искусства: не копировать слепо действительность, а создавать в произведениях свой мир, который возникает в душе художника, преломляясь в его сознании. Именно такое отношение к действительности и должно находить воплощение в произведениях искусства.

Портрет матери 1978

Завершились выпускные торжества, и Михаил Малафеев вернулся на Белгородчину. Он начал свой трудовой путь в проектном институте «Центрогипроруда» в областном центре, работая в группе промышленной эстетики, которая занималась эстетикой промышленного интерьера и архитектурой производственных и административно-бытовых зданий Курской Магнитной Аномалии. Одновременно Малафеев закончил вечернее отделение Белгородского технологического института строительных материалов по специальности «промышленное и гражданское строительство», т.к. этого требовала его новая специальность.
 
1970–1980-е годы стали для Михаила Алексеевича временем творческой активности. Именно в этот период он создал замечательные акварельные работы, которые экспонируются сегодня на выставке в художественном музее. Их немного, т.к. автор щедро дарил свои работы друзьям. Акварель он предпочел всему по двум причинам. У Малафеева никогда не было своей мастерской, работать приходилось в своей маленькой квартире, и чтобы запах красок не мешал семье, он выбрал акварель. Но, главное – ему очень нравилась эта виртуозная техника, где писать надо безошибочно, без возможности что-то исправить, в один прием. К тому же акварель в состоянии передать все то, что передает и масло, и темпера, но с большей нежностью и легкостью, как считает сам художник.
 
Михаил Алексеевич говорит, что особенно его душе близка природа, поэтому жанр пейзажа всегда преобладал в его творчестве. Портрет тоже стал его любимым жанром, несмотря на то, что написать портрет акварелью крайне сложно, тем более а-ля прима, как это делает художник. Всего четыре портретные работы присутствуют на выставке, но они в полной мере свидетельствуют о его прекрасном владении акварельной техникой.

Михаил Малафеев с удовольствием вспоминает годы работы в проектном институте, подарившие ему не только возможность заниматься любимым делом, но встречи с интересными людьми: Виленом Ивахнюком – почетным гражданином Белгорода, строителем и ректором Белгородского технологического института строительных материалов им. Шухова с 1970 по 2000 годы; Гением Коневским – руководителем их учреждения и прекрасным художником-графиком; Виктором Иванчихиным – теперь членом БРО СХР, а тогда молодым сотрудником группы промышленной эстетики «Центрогипроруда» охотно бравшим уроки работы акварелью у Михаила Алексеевича.

1990-е гг. стали поворотным моментом не только для страны, но и для Михаила Малафеева. В его жизни происходят перемены. Вопросы промышленной эстетики фактически никого не интересуют. Но в это время появляется возможность попробовать себя в преподавательской деятельности, к которой у Михаила Алексеевича всегда была тяга и способности.
В этот период при детских музыкальных школах Белгорода открывались эстетические отделения. И Михаил Малафеев в 1994 году начал работу в Детской музыкальной школе №3 преподавателем изобразительного искусства, совмещая ее с преподавательской деятельностью в Детской школе искусств №1 города Белгорода. В этот период он разработал методическое пособие «Роль наглядных пособий в процессе обучения школьников изобразительному искусству» и выполнил к нему около 300 рисунков и акварелей по темам уроков для начальных классов.
 
Им были созданы интересные программы для начальной школы и для дошкольного эстетического отделения, о которых сегодня мало кому известно. А ведь эти материалы могли бы сослужить хорошую службу в работе учителей изобразительного искусства.

Ученики М.А. Малафеева участвовали в областных, российских и международных конкурсах, занимая призовые места. Многие выпускники школы окончили вузы по специальностям «дизайн и архитектура». Да и сам он не отставал от учеников: участвовал в городских и областных выставках, при этом никогда не думал о членстве в творческих организациях, работал для души, тихо и скромно.

Закат 1978
В качестве педагога Малафеев прекрасно зарекомендовал себя, он сыскал уважение своих новых коллег – преподавателей, его любили дети. И все грустили, когда Михаил Алексеевич уходил на заслуженный отдых…

Но с уходом на пенсию творческая жизнь Михаила Алексеевича не остановилась, наоборот, появилось больше времени для создания новых работ, участия в выставках. А ведь это всегда жизненно необходимо художнику.
 
Первая персональная выставка Михаила Алексеевича прошла в апреле 2013 году во Дворце культуры поселка Ракитное. С художником Малафеевым познакомились на Белгородчине. Затем он участвовал в различных выставках, проходивших в выставочном зале «Родина», «Белэкспоцентре». В 2014 году состоялась его вторая персональная выставка в филиале Всероссийского фонда культуры.
 
В эти юбилейные для художника дни 2016 года выставка, проходящая в Белгородском государственном художественном музее, не последняя. По ее завершении белгородский зритель продолжит знакомство с новыми работами художника на выставке, что пройдет в очередной раз в филиале Всероссийского фонда культуры уже в сентябре. Хочется надеяться, что с творчеством Михаила Малафеева познакомится еще больше людей и по достоинству оценит его художественный дар.

Старший научный сотрудник отдела учета и хранения фондов Мишина Е.А.

МЕЛОДИИ ЕГО ДУШИ

  «Кто сказал, что пишут красками?
Пользуются красками, а пишут чувствами».
Ж.-Б.С. Шарден

В Белгородском художественном музее открылась выставка живописи Виктора Сорокина «Сотворенная красота» из фондов Липецкого художественного музея. 

Автопортрет 1993

Есть художники, знакомство с творчеством которых производит на нас неизгладимое впечатление, оставляя в душе яркий след, вызывая бурю чувств и эмоций. Своим искусством они не только открывают новые миры, но и впускают нас в них. Такой загадочный, интересный, увлекательный мир являет нам в своих живописных произведениях выдающийся липецкий художник, Мастер – Виктор Семенович Сорокин.

Натюрморт с арбузом 1989

Всю свою долгую, насыщенную творчеством жизнь художник следовал своему призванию: чувствовать жизнь цвета в вещах, делах, людях, видеть свет, который наполняет мир. «Говорят в моих картинах живет ощущение счастья. Откуда это? Может от любви?..» (В.И. Сорокин). И с этим трудно не согласиться. Его полотна, наполненные светом любви к земле, к людям, к прекрасному, стали неотъемлемой частью российского изобразительного искусства.

Солнечный свет 2001

Живописец родился 25 декабря 1912 года в Москве. В пятилетнем возрасте Виктор осиротел, мать умерла от тифа, отец — офицер царской армии — погиб на фронте. После смерти родителей его и братьев воспитывали родственники, а в возрасте двенадцати лет он попадает в детский дом «Суханово», который имел, по словам В.Сорокина «большую воспитательную роль». Затем последовали годы жизни в трудовой коммуне имени Ф.Э. Дзержинского, где будущий художник стал посещать рисовальный кружок. Первым преподавателем был А.П. Холутаев – ученик И.Е.Репина. По словам художника «он сыграл первую роль в его судьбе: открыл для него искусство».

Теплый день1953

В 1946 году Виктор Сорокин окончил Московский государственный художественный институт им. В.И.Сурикова, куда был зачислен сразу на второй курс. Его учителями были С.В. Герасимов, И.Э.Грабарь, Г.М. Шегаль, А.А.Осмеркин. Так же своими учителями художник считал французских импрессионистов и постимпрессионистов, внесших в изобразительное искусство свежесть и непосредственность восприятия жизни.

Натюрморт с помидорами 1955

С 1939 года Виктор Сорокин участвует в областных, региональных, всесоюзных, всероссийских, республиканских, зарубежных выставках. Состоялось более 20 персональных выставок в Ельце, Липецке, Москве, Санкт-Петербурге, Париже, Лионе. В 1946 году становится членом Союза художников СССР.

С 1957 года жизнь и творчество Виктора Сорокина неразрывно связаны с липецким краем, куда он переезжает жить. Провинциальная атмосфера сильно изменила мировоззрение художника: в своих картинах он стремился, пропуская все случайное, оставлять только суть. С годами его художественные образы становились все более ясными, а работы - ёмкими. В нем зрел мастер с цельным взглядом на мир, на вечные ценности — жизнь, красоту и любовь. В этом и есть ключ к пониманию притягательной силы того искусства, которому служил Виктор Семенович Сорокин и которое получило широкое общественное признание в 90-е гг. ХХ века.

Улички 1991

Творческие заслуги художника оценены по достоинству, в 1991 году ему присвоено звание «Народный художник России». В 1992 году в Липецке, ставшим для него родным городом, в знак признательности сограждан выдающемуся российскому живописцу и в связи с его 80-летием открыт Художественный музей имени В.С. Сорокина (Дом мастера). Он расположился в стенах памятника архитектуры — дома аптекаря В. Вяжлинского 1910 года постройки. Липецкая детская художественная школа № 1 так же названа именем мастера. 

С 1994 года В.С. Сорокин избран почётным гражданином г. Липецка. В 1997 году состоялось присуждение высшей награды Российской Академии художеств – Золотой медали.

Красный бокал 1994i

Произведения Мастера хранятся в ведущих музеях нашей страны, а также в частных собраниях России и зарубежных коллекциях. В Белгородском государственном художественном музее находится три живописные картины мастера, одна из которых («Натюрморт в саду») экспонируется в постоянной экспозиции «Отечественное искусство ХХ - ХХI веков».

На выставке «Сотворенная красота» представлены живописные полотна, выполненные в излюбленных жанрах художника — натюрморт, пейзаж, портрет. Сочная, как говорят художники, «вкусная» по цвету живопись Виктора Сорокина доставит эстетическое удовольствие и утонченным ценителям прекрасного, и неискушенному зрителю. Подчас, именно цвет является главным героем его картин. Он словно льется изнутри, не отпускает, будоражит воображение и волнует сердце. Созданные художником яркие, красочные полотна привлекают зрителя не только широтой и насыщенностью палитры, но и глубиной проникновения в природу изображаемых предметов («Испанский мотив», Натюрморт с пейзажем», «Красный бокал»).

Морозный день 1992

В работах Сорокина чувствуется неподдельное восхищение красотой природы, окружающего мира. Любой пейзаж Виктора Сорокина — это гимн природе, ода небу, земле. Художник без устали писал пейзажи, стремясь уловить и запечатлеть мимолетные природные состояния: заход солнца, ветреный день, движение облаков («Солнечный свет, «Летний вечер», «Конец марта», «Река Ельчик», «Начало весны»).

В натюрмортах автор остается верным своему творческому кредо. Он был убежден, что средствами живописи можно передать глубину образа, силу чувств и эмоций. Всё это ярко выражено в его натюрмортах («Натюрморт с помидорами», «Натюрморт с арбузом»). Цветочные композиции — истинный гимн созидающей природе («Астры», «Белые пионы», «Белые цветы», «Осенний букет», «Осенний день»). В них в полной мере проявляется талант живописца, композитора картины.

Торговая 1991

Объемный, мощный мазок — особенность «почерка» художника — наполняет все его полотна, независимо от жанра, необычайной энергией. Она пронизывает все его творчество, вызывая безграничное богатство ассоциаций. Искусство Виктора Сорокина не перестаёт удивлять, наполняясь новыми качествами, оно раскрывает глубину гуманистической философии художника. Именно поэтому число почитателей его таланта растет и в нашей стране, и за её пределами.

Вовк Н.Д. — старший научный сотрудник отдела учета и хранения фондов

САМОЕ ДОРОГОЕ В ИСКУССТВЕ – УМЕНИЕ ВДОХНУТЬ ЖИЗНЬ…
(К 100-летию Б.В. Щербакова (1916-1995 гг.)

В постоянной экспозиции Белгородского государственного художественного музея в зале искусства ХХ века среди крупноформатных многофигурных полотен, отражающих жизнь советской эпохи, можно «встретить» и камерные работы нейтрального характера. Среди них особенно выделяются натюрморты «Айва» и «Венгерский мотив» Бориса Валентиновича Щербакова, привлекающие взор взыскательного зрителя и неизменно вызывающие его восхищение.

автопортрет

Тщательно продуманной композицией, гладким лессировочным письмом, мастерством в отделке формы и передаче материальности всех предметов и фактур, блестящей техникой исполнения  картины автора ассоциативно отсылают смотрящего на них к школе «старых» мастеров, к голландским натюрмортам XVII века, на первый взгляд вроде бы чуждых советскому искусству ХХ века.

Но сам художник, ровесник прошлого столетия, подчеркивал, что на становление его творчества оказали огромное влияние полотна именно голландских живописцев XVII века. Он вспоминал: «Стараясь идти по стопам великих предшественников... собрал даже ряд предметов традиционных для голландских натюрмортов, стремясь понять, какими же средствами эти великие чародеи достигали, казалось бы, недостижимого. Почему их картины и сохранили до нашего времени все свое очарование... Может быть, это и есть самое дорогое в искусстве – умение вдохнуть жизнь, передать мысль и настроение даже в самых простых, незатейливых сюжетах».

айва. 1973

В собрании Белгородского художественного музея представлено много замечательных произведений, созданных выдающимися русскими художниками ХХ века, и достойнейшее место в этом ряду занимают девять живописных работ Бориса Валентиновича Щербакова – народного художника СССР, члена-корреспондента АХ СССР, члена-корреспондента РАХ, лауреата Сталинской премии третьей степени. Специалисты называют этого мастера «уникальным явлением в русском искусстве ХХ века». Яркий представитель реализма, Художник с большой буквы – Борис Щербаков, получивший при жизни и признание, и любовь зрителей – был необычайно скромным человеком с трудной судьбой. Творческая биография Щербакова совпала с одним из самых сложных периодов в истории России, но, несмотря на все испытания, выпавшие на долю художника, он сумел сохранить до преклонного возраста светлое жизнеутверждающее мировосприятие.

Осенним тихим вечером

Борис Валентинович родился в Петрограде 7 апреля 1916 года в семье художника, мастера фресковой живописи, ученика И.Е. Репина и Ф.А. Рубо (автора панорам «Оборона Севастополя» и «Бородинская битва») Валентина Семеновича Щербакова. Отец художника, его окружение (среди которых были такие выдающиеся деятели русского, советского искусства, как Н.И. Фешин и А.А. Рылов) несомненно оказали влияние на рано проявившиеся художественные способности мальчика, первыми игрушками которого были холсты, кисти, краски. В 6-8 лет Борис, подражая отцу, работавшему в те годы на Ленинградском фарфоровом заводе, уже расписывает декоративные фарфоровые тарелки, в 13 лет ходит на этюды с другом отца А.А. Рыловым, от которого получает важные заветы в отношении к натуре, искусству, профессии. От отца он унаследовал потрясающие трудолюбие и работоспособность, стремление зарисовывать все, что он видел.

белые пионы. 1957

В 1933 году Борис поступает во Всероссийскую Академию художеств в Ленинграде и становится одним из лучших ее студентов. Годы обучения совпали со временем реформ системы художественного образования, основанных на лучших достижениях мировой реалистической школы в изобразительном искусстве, утверждении метода социалистического реализма.

В 1939 году Борис Щербаков окончил Академию художеств с дипломной работой «Редакция газеты «Правда». Год 1917-й». Картина экспонировалась на Всесоюзной художественной выставке в Москве, репродуцировалась в журнале «Огонёк» с положительными отзывами. Молодой художник, воспринявший со студенчества главные принципы социалистического реализма, стремился к большим темам из жизни страны, ее истории. Почти одновременно у него рождаются замыслы двух масштабных полотен: «Суд народный» и «Петр І принимает послов в кузнице», но их осуществление отодвинулось на многие годы.

зоя щербакова портет жены художника. 1950

В июле 1940 г. состоялось счастливое событие в жизни Щербакова, он женился по словам самого художника, на «прекрасной как греческая богиня» девушке – Зое Анатольевне Сорокиной, которая в 19 лет вверила свою судьбу молодому живописцу, только нащупывающему свой путь в большом искусстве. И не ошиблась, она была единственной любовью мастера и верной спутницей его жизни на протяжении 55 лет. Борис Валентинович не раз писал жену, и каждый созданный портрет пронизан чувством глубокой любви автора и восхищения своей моделью.

А менее чем через год, в 1941 году Борис Валентинович, оставив молодую жену в блокадном Ленинграде, оканчивает короткие офицерские курсы и уходит на фронт командиром саперного взвода. Он прошел всю войну, участвовал в подготовке обороны Москвы осенью 1941 года, был фронтовым художником на Западном, Ленинградском и Прибалтийском фронтах, выезжал на передовую, создал целую галерею портретов отличившихся в боях рядовых и офицеров.

После войны художник, несмотря на то, что до 1948 г. оставался в рядах советской армии, вел активную творческую работу. В эти годы им созданы крупноформатный «Групповой портрет Героев Советского Союза – военнослужащих инженерных войск Советской Армии», наконец-то закончено большое историческое полотно «Петр I принимает европейских послов в кузнице», написана картина «Разлив стали на заводе Уралмаш».

В середине 1950-х гг. Щербаков с небольшой группой художников из 11 человек по заданию советского правительства откомандирован в Германию для создания копий шедевров, возвращенных в Дрезденскую картинную галерею. При исполнении работы такой сложности важно сохранить не только внешнее сходство с оригиналом, но и технику наложения красок, а для этого требуется и большое мастерство, и знание технологии старых мастеров. Художников, обладающих такими способностями, по всей стране набрали всего десяток человек, и одним из них был Борис Валентинович. Копии «Святого семейства со святой Елизаветой и младенцем Иоанном» Андреа Мантеньи и «Вирсавии» Питера Пауля Рубенса были выполнены безупречно: немецкие эксперты не смогли отличить подлинники от живописного «продукта» Щербакова.

Полгода, прожитых Борисом Щербаковым в Германии, стали важной вехой в творчестве художника, он много путешествовал по стране с этюдником, много писал с натуры. Серия работ, посвященных знаменитым историческим местам – Веймару (Родина Гете и Шиллера), древним улочкам Дрездена, крепостным башням Вартбурга, легла в основу первой персональной выставки художника «Города и люди ГДР», состоявшейся в 1957 году в Дрездене, спустя год он показал её в Москве. Последняя прижизненная персональная выставка художника была организована весной 1995 года в Московском Кремле.

венгерский мотив. 1974

Между двумя этими экспозициями – десятки персональных выставок от Токио до Нью-Йорка, неизменно вызывавших восторг и благодарность зрителей. А за этим признанием таланта и зрительским успехом – почти сорок лет колоссального напряженного труда художника, многочисленных творческих поездок по России и по всему миру. Но главное – это тысячи работ, созданных за эти годы в разных жанрах и на разные темы: сюжетно-тематические картины на большие исторические сюжеты, крупномасштабные групповые портреты, портреты выдающихся деятелей культуры, натюрморты и сотни пейзажей, в жанре которого художник был великолепным мастером, не имеющим себе равных.

Создав большую серию «По памятным литературным местам», включившую в себя около четырехсот произведений, Борис Валентинович Щербаков стал основоположником нового жанра в отечественном изобразительном искусстве – литературного пейзажа. Главной задачей художника в этом грандиозном труде было показать через пейзажный мотив отношение великих русских писателей к своей малой Родине, передать их чувства к родовому гнезду, воспеваемому ими в стихах и романах. В литературно-мемориальных полотнах мастер стремился не просто запечатлеть природу мест, связанных с жизнью и творчеством Л. Толстого, И. Тургенева, М. Лермонтова, А. Пушкина и др., но и отразить душевное состояние писателей, творивших на родной земле, и в то же время выразить трепет своей души от соприкосновения с прекрасными видами.

Дубки под Чамбаром. 1980

Пейзажные работы из фондов Белгородского художественного музея очень ярко отражают эту проникновенную любовь художника к своей Родине, родной земле и великолепное мастерство в умении очень точно передавать различные состояния природы. Глядя на его живопись, ощущаешь и прохладу густой тени, и летнюю жару, и движение облаков, и задумчивую, философскую тишину золотой осени («Дубки под Чамбаром», «Осенним тихим вечером»). В картине «Сумерки» художник тонко передает скоропроходящее состояние природы. Он не просто любуется этим кратким моментом ускользающей красоты, он воссоздает её на холсте, как бы вторя вслед за героем Гете: «Остановись мгновение, ты прекрасно!»

Щербаков тонко понимал и особенности древнерусского зодчества. Для него архитектура предков, что очевидно, например, в музейной работе «Ростов Великий. Девичий монастырь» – это культура нации, к которой надлежит относиться свято и бережно!

SCHerbakovBV016

Говоря о незаурядном таланте большого мастера, было бы несправедливо обойти вниманием замечательные человеческие качества Бориса Валентиновича Щербакова – его эрудицию, скромность, хлебосольность, несмотря на совсем небогатую жизнь, которую он вёл, – все это неизменно привлекало к нему интереснейших людей своего времени. Среди них и народный артист СССР, пианист-виртуоз Э.Г. Гилельс, и скульпторы Н.В. Томский и Л.Е. Кербель, и художники А.М. Грицай и А.И. Лактионов, драматург Э.В. Брагинский (автор сценариев любимых миллионами зрителей фильмов «Берегись автомобиля», «Ирония судьбы или с легким паром», «Старики-разбойники» и многих др.). Долгие годы дружбы связывали Бориса Щербакова с блестящим человеком, знатоком литературы и искусства И.С. Зильберштейном, добившемся основания Музея частных коллекций при Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина. Писатели Б.А. Лавренев, К.А. Федин, выдающиеся врачи А.Н. Бакулев, С.С. Юдин и А.Л. Мясников регулярно бывали в гостях у четы Щербаковых. Одни из них в начале знакомства просто позировали для портретов, а затем оставались друзьями на многие десятилетия, другие были покорены творчеством мастера, его неординарной личностью, спокойным, но твердым характером.

2016 год – год столетнего юбилея «большого» Художника, который в совершенстве овладел технологическими секретами и техническими приемами, извлеченными из богатейшего опыта великих предшественников. Но Борис Валентинович Щербаков – не просто блестяще овладел мастерством, равным художникам прошлых веков, он сумел в русле метода социалистического реализма ХХ века доказать своим искусством самоценность красоты реалистического отражения мира независимо от политических строев и идеологий.

Заведующая научно-экспозиционным отделом Половина Г.А.

МИРНЫЕ СТРАНИЧКИ В ТВОРЧЕСТВЕ БАТАЛИСТА

История комплектования БГХМ работами заслуженного художника РСФСР Петра Ивановича Жигимонта берёт начало в 1985 году, когда в коллекцию поступило живописное полотно его кисти «Под Сталинградом».

zhigimont

Признанный мастер батального жанра, представитель среднего поколения Студии военных художников имени М.Б. Грекова, Пётр Иванович видел своё призвание в разработке военной тематики. Это представляется совершенно закономерным для участника Великой Отечественной войны, награжденного орденом Красной Звезды, двумя орденами «Знак Почета» и многочисленными медалями (в т.ч. «За оборону Москвы»).

Пётр Иванович Жигимонт родился 14 ноября 1914 года в Мариуполе. С 1934 по 1937 год учился в Харьковском художественном институте, с 1937 по 1939 – в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры, а уже с 1938 года начал принимать участие в художественных выставках. В 1946 году вошёл в состав Студии военных художников имени М.Б. Грекова. В 1950 году сдал экстерном государственные экзамены и защитил диплом в Харьковском художественном институте.

Некоторые биографы считают, что батальный жанр Пётр Иванович освоил поневоле, так как суровое время вовлекало в свой событийный ряд, и уже тематика сама выбирала автора. Однако, не приложив к своему труду влечения сердца, художник не воплотил бы столь яркие произведения в жизнь. Результатами его творчества, помимо ряда отдельных живописных полотен, является участие в создании диорамы «Форсирование Днепра войсками Советской Армии» (1948 г.), за что в 1949 году живописец был удостоен Государственной премии СССР и получил почетное звание «Заслуженный художник РСФСР».

Как художник-баталист, П.И. Жигимонт являлся приверженцем чистоты традиций русской академической и реалистической школы живописи, и в коллективе грековцев стал одним из ведущих мастеров панорамно-диорамного искусства. В 1950-1970-е годы студийцами был создан ряд масштабных работ, среди которых полотно «Штурм Мамаева кургана» (1977) П.И. Жигимонта названо в числе наиболее значительных.

О признании его заслуг свидетельствуют награды, послужившие оценкой творчества этого мастера: золотая медаль имени М.Б. Грекова, присуждённая в 1968 году за участие в воссоздании панорамы Ф. Рубо «Бородинская битва» (1967); премия имени Вита Неедлы (ЧССР, 1972 г.) за работу над интернациональной темой; Почетная медаль Советского фонда мира за участие в создании панорамы «Сталинградская битва» (1982 г.).

Батальный жанр стал творческой судьбой живописца на протяжении большей части его жизни. Однако, как истинный мастер, Пётр Иванович не ограничивал своё творчество лишь одною, пусть и любимой, тематикой. Жизнь всегда предоставляет материал для размышлений, для новых наблюдений, любования натурой и разнообразием мира. Именно таким свидетельством жизнелюбия может служить небольшая часть наследия мастера, которая стала достоянием Белгородского государственного художественного музея уже после смерти художника.

В 2005 году фонды БГХМ пополнились четырьмя живописными работами Петра Ивановича Жигимонта. После его отъезда в 1992 году в Германию на постоянное место жительства в мастерской, преемником которой стал А.М. Самсонов, оставалось некоторое количество не вывезенных картин и Александр Маратович, с целью сохранения наследия мастера, предоставил некоторые из них для закупки в БГХМ.

Devichya Bashnya

Этюды, оставшиеся в студии, оказались безымянными, и для облегчения процесса приёма-передачи, получили рабочие названия: «Овощи и грибы», «Этюд с розовым домом», «Этюд с башней», «Вид на старый акведук». Три последних работы были объединены в гипотетическую серию «Средняя Азия», – по визуальному подобию архитектоники восточных строений. Как натюрморт, так и архитектурные пейзажи не просто пополнили творческую коллекцию автора в фондах музея, но и расширили жанровый диапазон, а, следовательно, обогатили сведения о его творчестве в целом.

Работы представляют собой натурные этюды, выполненные маслом на картоне и являются результатом пленэрных поездок. Только спустя годы стали возможными уточнения географических координат. В ходе аналитического изыскания, после телефонных переговоров и переписки со студией военных художников им. М.Б. Грекова, было определено, что писались они в центре Баку – столицы Азербайджана – в период раскопок на территории исторической части города.

Dvorec

Учитывая интерес художника к старинному зодчеству, к истории великой страны, некогда бывшей единым государством – СССР, нетрудно предположить, что мастер намеревался писать на этом материале форматные холсты, так как в данных этюдах изображен Дворец Ширваншахов – уникальный масштабный исторический комплекс VII-XII веков, включённый в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Torgovye ryady

Перед зрителем предстают древние узкие улочки, легендарная Девичья башня из серого песчаника. Живописная палитра этих этюдов, сохраняя узнаваемый авторский колорит, как бы «смягчается» лиризмом приморского лета, теплотой южного климата; а природные дары в корзинке, вероятно, с полей среднерусской полосы скромно и ненавязчиво свидетельствуют о благодати мира на земле.

Эти этюды – всего лишь несколько страничек будней большого мастера. Однако без них биография не представляется полной, так как для достоверности творческого портрета насущен каждый подлинный штрих.

Старший научный сотрудник выставочного отдела Мазурова А.Д.

АЛЕКСАНДР БЕНУА, СЛУЖИТЕЛЬ ЦАРСТВА АППОЛОНА

В 2015 году исполнилось 145 лет со дня рождения Александра Бенуа – невероятного человека, чей широчайший диапазон творческой деятельности поражает сознание. График, живописец, художник театра и кино, театральный режиссер-постановщик, иллюстратор и оформитель книг,  журналов, художественный критик, художник-монументалист, теоретик и историк искусства, музейный деятель, публицист – его деятельностью была ознаменована новая эпоха в русском искусстве XIX – XX веков.

benua

Жизненный путь Александра Николаевича был полон труда, неустанных поисков, и больших творческих успехов. Он был младшим и самым известным из детей архитектора Николая Леонтьевича Бенуа, связавших свою судьбу с искусством.

Родился будущий художник в Петербурге 3 мая 1870 года. Художественному воспитанию маленького Шуры способствовала обстановка в доме и творческая среда, окружавшая его. Отец практически с пеленок занимался с сыном   рисованием.

Мечтая стать театральным художником, он начинает занятия в вечерних классах Петербургской Академии художеств в качестве вольнослушателя. Первое участие Александра Бенуа в выставке Общества русских акварелистов, которое возглавлял его брат, состоялось 1892 году. После этого он отказался от обучения в Академии художеств, а продолжил заниматься самостоятельно, много писал с натуры.

r5Окончив частную гимназию К.И. Мая, А. Бенуа поступил в Петербургский университет на юридический факультет. В это же время художник углубился в исследование истории искусства и стал основоположником изучения русского искусства XIX века, как равноправной национальной школы в ряду европейских школ.

Именно в этот период завязываются его дружеские отношения с С.П. Дягилевым, а знакомство с московскими живописцами нового поколения В.А. Серовым, И.И. Левитаном, М.В. Нестеровым, К.А. Коровиным приводит к организации совместных выставок молодых художников Петербурга и Москвы.

Впервые  Александр Бенуа побывал в Париже в конце 1896 года вместе с друзьями-художниками и был полностью очарован этим городом. В Париже он создавал свои знаменитые «Версальские серии». Впоследствии в Петербурге появились серии видов Петергофа, Павловска, Ораниенбаума.

Путешествуя, А. Бенуа неоднократно бывал на Белгородчине, завороженный  красотами имения своей сестры Екатерины. Так он описывал белгородскую природу: «Ряды невысоких холмов тянулись один за другим, все более растворяясь и голубея, а по круглым их склонам желтели и зеленели луга и поля; местами же выделялись небольшие, сочные купы деревьев, среди которых ярко белели хаты с их приветливыми квадратными оконцами. Своеобразную живописность придавали всюду торчавшие по холмам ветряные мельницы. Все это дышало благодатью...».

Екатерина Бенуа в молодости была художником-графиком. Она вышла замуж за скульптора-анималиста Евгения Лансере. Все трое детей Екатерины и Евгения стали известными художниками. В Белгородском государственном художественном музее хранятся работы Евгения Лансере и несколько графических работ его дочери Зинаиды, известной всему миру под фамилией мужа – Серебрякова.

Для маленькой Зины знаменитый дядя Шура Бенуа был большим авторитетом. Он часто приезжал в село Нескучное Белгородского уезда, где родилась и создавала свои первые работы Зинаида Серебрякова. Александр Бенуа стал первым искусствоведом, который отметил ее уникальный талант. Он всячески оберегал и поддерживал Зинаиду, как блестящую художницу не только на родине, но и за границей.

Benua1944

Еще во Франции Бенуа разрабатывает идею журнала «Мир искусства». Позже он стал идейным руководителем объединения, участником ежегодных выставок. «Мир искусства», в котором Александр Николаевич выступал в качестве автора и члена редколлегии, был призван раскрыть немало забытых имен, привлечь внимание к архитектуре, прикладному искусству и народным промыслам. Благодаря деятельности объединения, искусство графики, художественного оформления и иллюстрирования книги было возведено на новый уровень.

Творчеством А.С. Пушкина определило основное направление в книжной графике Александра Бенуа. Первые иллюстрации были созданы им к «Пиковой даме», затем к «Капитанской дочке». В сотрудничестве с А.М. Горьким А. Бенуа занимался редактированием детских книг, проиллюстрировал азбуку.
Однако лучшие произведения Александра Бенуа связаны с искусством театра. «Мирискусники» во главе с Бенуа были своего рода реформаторами, добившись совершенно иного оформление спектаклей, основываясь на соблюдении исторической правды, особенно в костюмах.

ABenua petrushkaВ 1909-1913 годы невероятный талант  А. Бенуа воплотился в знаменитых «Русским сезонам». Именно ему принадлежала идея представить за рубежом балетные спектакли. Художник поставил балеты «Павильон Армиды», «Сильфиды» «Жизель», «Петрушка» и спектакль «Соловей» по сказке Андерсена, соединяющий оперу и балет. Европейские деятели культуры и искусства отзывались об этих постановках с полным восторгом в течение многих лет.

На родине художник возглавлял Картинную галерею Эрмитажа, участвовал в организации Ленинградского Большого драматического театра, работал в качестве художника и постановщика в Мариинском, Народном, Большом драматическом и Академическом театре драмы. «Женитьба Фигаро» 1926 года стала последней театральной работой Александра Бенуа в Советской России.

После очередной командировки, Александр Николаевич не вернулся на родину, а так и остался в Париже. За границей он также посвятил себя  сценографии. Для миланского театра Ла Скала, в котором его сын Николай Бенуа служил главным постановщиком, он создал наибольшее количество оперных и балетных постановок.

Скончался Александр Николаевич Бенуа 9 февраля 1960 года в Париже. Как и многие другие деятели русской культуры А. Бенуа до конца дней занимался популяризацией и поддержкой русского искусства за рубежом.

Посмертная выставка художника состоялась в Милане в 1960 году. Десять лет спустя выставка в Третьяковской галерее обнародовала художественное наследие А. Бенуа.

Вот уже несколько лет в рамках проекта «Достояние музеев России – белгородцам!»  жителям области предоставляется возможность увидеть подлинные полотна отечественных мастеров живописи, среди которых работы Александра Бенуа, Зинаиды Серебряковой, Ивана Шишкина, Ивана Айвазовского и еще многих всемирно известных художников, представляющих собрания музеев Москвы, Санкт-Петербурга, Тамбова, Курска, Рязани и других городов.

 Младший научный сотрудник отдела
культурно-образовательной деятельности
Гридасова Ю.Д.

ЖИВАЯ ПАМЯТЬ. ГРАФИКА АДЫ РЫБАЧУК И ВЛАДИМИРА МЕЛЬНИЧЕНКО ИЗ КОЛЛЕКЦИИ НИКОЛАЯ ЕРЕМЧЕНКО В БГХМ

Соседство разных эпох в музее никого не удивляет, на то он и музей. И, тем не менее, зачастую приходится только удивляться, насколько прихотливое кружево создает судьба, сплетая жизненные истории разных людей в одно целое. И чем талантливее люди, тем интереснее и неожиданнее получается результат. В Белгородском художественном музее хранится коллекция графических листов, подаренная музею Николаем Даниловичем Еремченко. Он был человеком разносторонним: художником-графиком, фотохудожником, возглавлял большой коллектив специалистов ИТАР-ТАСС, руководил отделом иллюстраторов газет «Правда», «Советская культура», «Труд», преподавал в МГУ. По долгу службы он общался с художниками из разных республик тогда еще одной большой страны. Со многими из них отношения из служебных переходили в дружеские.

Eremchenko

История возникновения коллекции Еремченко заслуживает нескольких слов. Однажды Николай Данилович, чьей душе претила всякого рода шаблонность, с очередным праздником поздравил друзей открыткой, сделанной своими руками. Он вырезал линогравюру, отпечатал небольшой тираж и разослал. Идея понравилась, друзья-художники подхватили ее и стали обмениваться подобными «открытками». По обоюдному согласию они не ограничивали себя ни выбором тем, ни форматом, ни жанровой принадлежностью. Так у Николая Еремченко стала складываться коллекция. За несколько десятилетий у него собралось более 300 графических листов, среди которых работы Айвара Лиепиньша, создавшего в Смоленске целую школу фотожурналистов, Член-корреспондента Академии художеств Мюда Мечева, живописца и гравера Германа Ратнера, художника книги Бориса Косульникова, эстонского каллиграфа Виллу Тоотса и многих других.

Николай Данилович дружил с редакцией Белгородской правды. Но с Белгородом его связывала не только это. Во время Великой Отечественной войны его отец воевал на Курской дуге, поэтому художник регулярно приезжал сюда. В один из таких визитов и возникла идея подарить свою коллекцию в художественный музей, недавно переехавший в новое здание. Расчет был прост, в небольшом музее коллекция будет более доступной зрителю, в то время как в столичном, она может на многие годы остаться в фондохранилище (с 2004 по 2016 годы коллекция 4 раза демонстрировалась в виде отдельной выставки, кроме того, часть работ выставлены в постоянной экспозиции). В 2004 году 145 работ Николай Данилович передал Белгородскому музею, среди них два листа киевских художников Владимира Мельниченко и Ады Рыбачук. И это дает повод вплести в кружево этой истории новую нить. 

Ада Рыбачук и Владимир Мельниченко – семейный и творческий союз. Они встретились еще в школе, чтобы не расстаться никогда. Вся их жизнь стала актом творчества, служением людям и искусству. Свои работы они подписывали аббревиатурой АРВМ. И даже сегодня, когда Ады Федоровны уже нет в живых (21 сентября 2010 года она оставила этот мир), Владимир Владимирович, который продолжает работать, по-прежнему подписывается этими буквами.

Hudozhniki

В 1954 году молодые Ада и Владимир впервые попали в Нарьян-Мар, на Камчатку, а оттуда на остров Колгуев. Потрясенные красотой и величавостью северной природы, они вернулись сюда через год, чтобы остаться на зимовку. Романтика, свойственная молодости, жажда творчества, потребность созидания позволяли не замечать ни сурового климата, ни бытовых трудностей. Для того чтобы написать этюд гуашью, приходилось брать кипяток и делать работу быстро, пока вода в банке не затягивалась льдом, и кисть не приходилось окунать в маленькое окошко. А сам лист замерзал быстрее, чем высыхал, поэтому его нужно было сушить только разложив ровно на полу, чтобы оттаявшие краски не стекали по листу. Когда закончилась бумага, художники рисовали на обратной стороне обоев. Трудно сказать, сколько работ было создано, только 400 заготовленных тюбиков белил им не хватило на весть период зимовки. С большой земли на вертолете доставляли материалы, посланные им друзьями. Результатом этой зимовки стала большая персональная выставка, которую в Киевском художественном институте засчитали в качестве дипломной работы.

Na ostrove Kolguev

В 1959 году Ада и Владимир подарили городу Нарьян-Мар 118 графических и живописных работ, созданных ими на севере, а через 20 лет - еще 33. Они хотели, чтобы в Нарьян-Маре был свой художественный музей. До сих пор собрание их работ – самое весомое в нарьян-марской коллекции.

Казалось бы, такой мощный стремительный старт должен предвещать художникам безоблачное будущее, но жизнь – затейливая кружевница – увела нить их судьбы с успешного на путь лишений. В 1957 году Ада подает картину на VI Всемирный фестиваль молодежи и студентов. Работа занимает призовое место, и в составе выставки объезжает всю Европу. Но в 1959 году в «Правде Украины» появляется статья «Искусство не терпит шумихи», в которой художников обвиняют в формализме и не соответствии эстетике социалистического реализма. Фактически это был приговор. У художников со скрипом принимали работы на выставки, заказы на оформление книг их тоже миновали. Оставалась только работа в мастерской. Тем не менее, они писали эссе, сценарии к фильмам, участвовали в отечественных и зарубежных выставках, разработали и осуществили оформление автовокзала (1960-1961) и Дворца пионеров (1963-1969) в Киеве.

В 1968 году Ада Рыбачук и Владимир Мельниченко приняли предложение архитектора Авраама Милецкого на создание проекта крематория на Байковом кладбище в Киеве. Архитектор восемь месяцев уговаривал их и получил согласие только на том условии, что художники участвуют в создании комплекса на всех этапах: от эскиза-проекта до монументального воплощения идеи в материале.

«Мы выразили принципиальное несогласие по поводу исключительно технологического решения проблемы - при полном отсутствии предложений нравственного, эстетического и духовного аспектов. Опять решили категорически: взяться за проектирование можем только при условии решения комплекса проблем - решение не только технологической функции, но начинать разработку проекта именно с философской концепции, - архитектурной пластикой создать образ строения мемориального характера». (В. Мельниченко «Ада», «Адеф-Украина», 2011)

Художника поставили перед собой задачу создать современный храм неба, вечности, жизни, жизни даже после смерти. Это должен был быть не религиозный храм, а храм Памяти человеческой. На внутреннем конкурсе КИЕВПРОЕКТа их проект был признан лучшим.

3 Hram neba proekt

«В нашем понимании мы строили театр особого назначения, где пройдёт памятное для человека и для человечества действо обряда. Главное действующее лицо здесь – это человек, и от него, ради которого и делается всё это, мы сместили внимание на присутствующих, тех, кто переживают потерю. Они пришли сюда и будут приходить в будущем, поэтому Парк памяти был задуман для того, чтоб они не были брошены в своих последующих приходах». (АРВМ)

4 stena pamjati

Работа над Парком памяти, продолжалась почти 13 лет. Архитектурным центром должны были стать помещение залов для прощания и огромная 200-метровая стена с рельефами. Она выполняла конструктивную роль – удерживала склон. По замыслу художников здание с залами должно было состоять из 17 вогнутых конструкций, обращенных в небо. Ни одной статичной линии, только движение, в архитектуре ли здания, в рисунке ли стены, ведь движение – залог продолжения жизни.

Семь лет были отданы работе над Стеной Памяти. На 200 метрах стены художники прослеживали жизненный путь целого поколения. Они стремились материализовать, запечатлеть в объеме дух этого поколения, рассказать обо всех событиях, пережитых им. В рельефах разной высоты – от высокого горельефы до буквально графических процарапываний-прорисовок – разворачивалась картина жизни, рассказанная авторами аллегорическим языком. Здесь были подняты общечеловеческие темы любви и страданий, жизни и смерти, войны и мира, которые накладывались на историю страны, с ее особенностями и частностями. Художники пытались рассказать о своем времени, они обращались к потомкам. Жаль, что современники не оценили их усилий, и уничтожили послание прежде, чем оно достигло адресата.

Stena

Как сохранить память ушедших эпох, как материализовать ее? В объеме, в формах, понятных каждому. Только в одном ошиблись художники: монументальные, обобщенные формы, так понятные им, оказались не понятыми главными цензорами…
«Протокол №204 заседания художественно-экспертной комиссии по изобразительному искусству и художественно-экспертного совета по монументальной скульптуре Министерства культуры УССР и Госстроя УССР» гласил: «Идейная и художественная трактовка этого комплекса ошибочна и в психологическом, и в философском плане. Более того, она вредна, т.к. противоречит нашему гуманистическому мировоззрению, деморализует и расслабляет нас, создает благоприятную почву для всех идеалистических рецидивов.
По-видимому, авторы оказались под гипнозом формального эффекта своего произведения и не заметили принципиального его порока.
…очень талантливые мастера-живописцы пошли в фарватере у Пикассо. …
… принять такую работу, стоя на марксистко-ленинских позициях, мы в таком виде не можем…» Опять пресловутый модернизм и космополитизм, а ведь время действия 1980-е годы!


В середине января 1982 года был отдан приказ закрыть рельеф деревянным щитом, а 21 марта в 8.00 приехали 6 самосвалов с бетоном и начали заливать рельеф. Удивительным образом произошло это по личному указанию того же архитектора Милецкого, который так настойчиво уговаривал Рыбачук-Мельниченко взяться за работу. Трудно сказать, что побудило его так поступить, важно лишь то, что 13 лет творчества и жизни художников были погребены под слоем бетона.

5 stena seychas

А художники выжили и продолжали работать и верить в людей, в то, что существуют те, кому нужно их творчество. Судьбе было угодно, чтобы Николай Данилович Еремченко познакомился с Адой Рыбачук и Владимиром Мельниченко. В знак этой дружбы художники подарили коллекционеру два графических листа – «Мужской портрет» – эскиз к Стене Памяти и «Предчувствие» – память о пребывании художников на далеком острове Колгуев. Язык документов сух, но информативен. Музейная карточка «Мужского портрета» сообщает: «Под изображением карандашом слева: 2/5 1981–84 А. Рыбачук В. Мельниченко; в центре карандашом: «Память» Лист III; в центре ручкой: Николаю Еремченко – Ада Рыбачук, Владимир Мельниченко в мае 1984 г. Москва – На Память. На правом поле снизу вверх ручкой: - 22 июня 1984 г.»

2 Rybachuk Melnichenko Muzhskoy portret

Вторая карточка так же деловита: «Под изображением в 3 строки: А Рыбачук – В Мельниченко. Предчувствие. Остров К/олгуев/ (неразборчиво) 1962–79/ Дорогому Коле от Ады и Владимира/ на Память. 17 май – июнь 22, 1984 г.»

1 Rybachuk Melnichenko Predchuvstvie

В этих нескольких строках настойчиво звучит слово ПАМЯТЬ. Как будто художники предчувствовали, что нет ничего сильнее памяти человеческой. Миновало более тридцати лет со дня тех несправедливых, жутких событий. Но сколько бы времени ни прошло, каждый раз, эти два графических листа из нашего музея будут напоминать историю жизни художников, их трудный творческий путь и их Стену Памяти.

Заведующая выставочным отделом Селютина А.А.

СВОЙ ПУТЬ В ИСКУССТВЕ

16 февраля исполняется 10 лет, как с нами нет энергичного, темпераментного, полного сил, неунывающего, ироничного к жизни, людям, а главное к себе – талантливого белгородского художника со своим неповторимым живописным почерком, члена Союза художников России – Виктора Филипповича Блинова (1940-2006).

Blinov image

Но осталось его наследие, часть которого принадлежит Белгородскому государственному художественному музею. Мы чтим память ушедших художников, оставивших яркий след в искусстве Белгородского края второй половины ХХ века, пропагандируем их творчество через временные и постоянные выставочные проекты, вечера памяти и другие культурно-образовательные мероприятия.

В декабре прошлого года в музее была организована выставка малого формата произведений Виктора Блинова, приуроченная к 75-летию со дня рождения автора, которая работала в течение двух месяцев.

Blinov. Goritskiy monastyr

У каждого художника есть свой путь в искусстве, своя тема, своя творческая судьба. У Виктора Блинова был и свой неповторимый путь становления мастерства и своя уникальная неповторимая манера живописно-пластического самовыражения. При этом он был верен традициям отечественной школы изобразительного искусства, в которой черпал и знания, и вдохновение, переосмысливал её, утверждая право на свой собственный стиль.

Blinov. Zolotoy vecher

Виктор Блинов родился 5-го декабря 1940-го года в селе Малое Солдатское Беловского района Курской области. Рано проявившиеся способности к рисованию привели юношу после окончания десятилетки в Курское художественно-графическое училище. Затем были два года преподавания черчения и рисования в Тегульдетской средней школе, Томской области, служба в Военно-Морском Флоте, оформительская работа на одном из московских заводов.

Blinov. Na Soroti

По приглашению своего бывшего сокурсника по училищу – Станислава Косенкова, случайно встреченного им в Москве, Виктор Блинов в 1968 году приезжает в Белгород, в котором начинается новый этап в судьбе художника. Он активно включается в творческую жизнь Белгородчины, принимает участие в областных, региональных, республиканских и международных выставках. Вступает в Союз художников СССР. Ведёт насыщенную общественную жизнь: в течение 12 лет – с 1980 по 1992 гг. возглавляет Белгородское региональное отделение Союза художников России, организовывает многочисленные выставки, формирует общественное мнение в пользу создания в Белгороде художественного музея, а в 1999 г. возглавляет Белгородский государственный художественный музей, проработав на посту директора 5 лет.

Blinov. V Mihaylovskom

1960-1990-е годы в творческой биографии Виктора Блинова – это период увлечённой работы в Белгородских художественно-производственных мастерских Художественного фонда РСФСР, время поездок в Дом творчества «Академическая дача», на международные пленэры в Польшу. Он много и плодотворно работает в монументально-декоративном искусстве, создает целый ряд монументальных росписей в соавторстве с Евгением Поленовым во Дворцах культуры Строителя и Белгорода, в Белгородском государственном Технологическом университете им В.Г. Шухова, мозаики на фасадах Белгородской детской спортивной школы олимпийского резерва, Педагогического училища, школ в селах и городах области.

Blinov. Sosny na zakate

Но смыслом его жизни всегда была живопись. В ранних работах, созданных Виктором Блиновым в 1970-е годы, чувствуется роман¬тический взгляд на мир. По словам художника, это был пе¬риод увлечения Петровым-Водкиным, но не подражательного, а скорее, поиск родственного, отвечающего его представлениям о задачах в искусстве.

В работах 1980-х годов всё больше ощущается интерес к цвету, его выразительным возможностям. В 1990-е годы формируется характерный творческий язык художника - лаконичный, отточенный, четкий, но одновременно очень поэтичный. Блинов пишет пейзажи, натюрморты, а также картины, которые не назовешь жанровыми, это, скорее, живописные «эссе» на пушкинскую тематику… Великому поэту Виктор Филиппович посвятил целый цикл произведений.

Глубокое лирическое начало присуще пейзажным работам Виктора Блинова, в которых мастер не копирует природу, а переосмысляет её через свою образно-пластическую формулу. Среди мотивов можно выделить его любимые: сосны, холмы и овраги, поля, водную гладь. Свою приверженность, например, изображению сосен художник объяснял красотой силуэта, стройностью этих деревьев, возвышающихся над массой зелени. Их парящие кроны присутствуют во многих работах художника.

Blinov. Iva zvetet

Пейзажи Виктора Блинова пронизаны движением и, несмотря на некоторую геометризацию природных форм, условность цвета, как правило, выстроенного в определенной цветовой гамме (голубовато-белесой, зеленовато-серой и т.д.), полны жизни.

Виктор Филиппович Блинов был прирождённым лидером, публичным человеком, ему было интересно многое. Но в душе он был тонким художником с яркой лирической направленностью, оставаясь при этом требовательным и к себе, и товарищам по искусству. Он считал: «Дружба дружбой, а требовательность непременно, и что самое дорогое в дружбе и есть требовательность и еще – откровенность». На талантливые работы у него было особое чутьё. К чему-то он мог быть нетерпимым, но если чувствовал в человеке творческий потенциал, то всячески помогал ему и поддерживал.

Blinov. Polenov. Rospis

Азартный в спорах, часто категоричный в суждениях Виктор Блинов на протяжении более трех десятков лет не только находился в центре событий художественного процесса города, но и влиял на его ход.

Blinov. Polenov. Mozaika

Последние полтора года были не самыми простыми в жизни художника. Но оптимизм, увлечённость любимым делом – живописью, не давали ему опускать руки, он продолжал писать картины, принимал активное участие в работе Белгородского отделения Союза художников России, занимался издательской деятельностью, строил творческие планы. Будучи человеком разносторонних интересов, он находил отдушину в дружеских встречах, которые не обходились без горячих споров, чтений стихов, звуков живой музыки.

Он много читал и хорошо знал русскую поэзию начала ХХ века, любил поэтов серебряного века. Последней работой художника, оставшейся незаконченной, был триптих, посвященный Маяковскому, Блоку, Есенину…

Заведующая научно-экспозиционным отделом

Половина Г. А.

ЛАЗАРЬ АГРИЯН: РОЖДЕННЫЙ БЫТЬ ХУДОЖНИКОМ

6 февраля 2016 года замечательному художнику Лазарю Самсоновичу Агрияну, человеку трудной судьбы, человеку-легенде с чистой, незамутненной душой, ушедшему из жизни осенью 2001 года, исполнилось бы 105 лет.

Агриян

Время неумолимо идёт вперед, стремительно стирая из памяти многое, но оставляет главное: важные события, успехи и неудачи, горе утрат и радость обретения, встречи на жизненном пути с незаурядными людьми. Мое знакомство с Лазарем Самсоновичем было коротким и непродолжительным, но оставило яркий след в душе, как и его искреннее, жизнеутверждающее творчество.

Agriyan Obedenniy pereryvКажется, только вчера (в феврале 2001 г.) в Белгородском государственном художественном музее открывалась последняя прижизненная персональная выставка, посвященная 90-летию Лазаря Агрияна, сохранившего к своему солидному юбилею редкостную светлость мировосприятия, жизнелюбие и работоспособность. До сих пор помню первое впечатление от его акварелей, портретов, натюрмортов, близких сердцу художника пейзажей, радующих глаз солнечным, звонким колоритом Средней Азии, где автор прожил почти всю свою жизнь. Жизнь трудную, часто голодную, но необыкновенно яркую и счастливую, вопреки выпавшим на его долю испытаниям страшных лет двадцатого столетия: революция, гражданская война, Великая Отечественная, послевоенная разруха, годы «оттепели», перестройки...

Агриян Л.С. Бухара 1931Однако, наверно, самым тяжелым испытанием для 87-летнего художника стал вынужденный отъезд из Самарканда, где он родился, жил, любил, творил в далекий российский город Белгород, лишь потому, что не имел узбекской фамилии. Но и этот нелегкий «шаг» не сломил волю художника к жизни и творчеству, не дал зачерстветь сердцу, не погасил огонь доброты в душе. Несмотря на возраст и слабое здоровье, Лазарь Самсонович принимал участие в работе белгородского отделения Союза художников России, писал этюды окрестностей Белгорода, экспонировался на областных выставках. Но самое главное – за три года жизни на Белгородчине он приобрел много новых друзей, к нему тянулись не только коллеги, но и люди самых разных профессий и возрастов. Притяжение этого мудрого, доброго человека было удивительным, общение с ним, даже самое короткое, оставляло глубокий, незабываемый след в душе. Обаяние его было столь велико, что даже раз увиденные лучистые глаза и легкая лукавая улыбка Лазаря Самсоновича уже не стирались из памяти. Как и его работы – столь непривычные для белгородского зрителя.

Agriayn. Bibi Hanum Samarkand

Художник, не получивший систематического образования, «самоучка» с редким талантом, не нуждавшемся в «огранке» профессиональной школы, смог добиться в своем творчестве не только легкости, жизнерадостности, но и неподдельной убедительности. Когда-то классик армянской живописи Мартирос Сарьян сказал молодому Лазарю Агрияну: «Ты рожден быть художником, учить тебя, значит – портить. Работай!» И он работал. Работал до конца своих дней.

Школой мастерства стала для него сама жизнь. Он активно участвовал в художественном процессе страны, экспонировал свои картины на областных, республиканских и всесоюзных выставках, а также в Соединенных Штатах Америки, Италии, Великобритании на выставках, организованных Всесоюзным обществом культурной связи с заграницей.Agriyan. Parikmaher.1950 В 1938 году его приняли в Союз художников СССР. И где бы ни выставлялись его работы (в Ереване, Ташкенте, Москве, Баку, в Венеции или Лондоне...), они всегда находили отклик в сердцах зрителя. Творчество Лазаря Агрияна высоко оценили еще при его жизни и специалисты, что подтверждают коллекции, в  которых хранятся работы художника: Государственный музей искусств народов Востока, Государственная картинная галерея Армении, Государственный музей искусств им. И.В. Савицкого, Самаркандский музей истории культуры и искусств, Музей революции Армении, Белгородский государственный художественный музей, а также частные собрания России, Англии, Германии, Италии, США, Узбекистана, Франции.

Я не помню ни одной мрачной работы мастера (даже если такие и были), настолько солнечно-теплым, жизнерадостным было у Лазаря Самсоновича общее восприятие мира. Ему не нужно было искать красоту где-то, он видел и писал ее везде и всюду.

Agriyan Chayhana. 1964

Уже почти 15 лет как с нами нет мудрого и доброго художника Лазаря Агрияна, но свет его души идет от его картин, наполненных радужной теплотой и «цветоносной» радостью, которых так не хватает нам в суете повседневной жизни.

Cтарший научный сотрудник,
заведующая научно-экспозиционным отделом Половина Г. А.

ПАМЯТИ ЮРИЯ ПЕТРОВИЧА АГАФОНОВА ПОСВЯЩАЕТСЯ…

Два года назад в холодный февральский день 2014 года, ровно за три месяца до 75-летнего юбилея, не стало народного мастера Белгородчины, прекрасного художника-керамиста, очень доброго, любимого всеми кто его знал – Юрия Петровича Агафонова.

Yuriy Agafonov

Выпускник знаменитого Абрамцевского художественно-промышленного училища всю свою жизнь связал с покорением самого удивительно-пластичного материала Земли – глины. Практические исследования податливой в тёплых умелых руках глиняной субстанции позволили мастеру ежедневно извлекать из мёртвой в сухом состоянии пылевидной массы сложный художественный образ на протяжении более 40 лет.

Работая с глиной, Юрий Петрович Агафонов реализовал, дарованные ему природой особый острый взгляд художника, фантазию, богатое воображение. А благодаря усидчивости и педантичности он смог освоить все возможные способы обработки пластичного материала: гончарное ремесло, создание скульптуры малых и крупных форм, покрытие изделий ангобами, глазурование, обжиг, роспись. Но путь к обретению своего призвания был нелёгким…
Родился Юрий Агафонов 10 мая 1939 года на левом берегу реки Камы в небольшом провинциальном городке Чистополь. Военное детство прошло в Нижнем Новгороде, тогда ещё Горьком. После школы он отправился на комсомольскую стройку, вложил свой труд в строительство железной дороги Сталинск – Абакан. Освоил рабочую профессию электромонтёра-высоковольтника испытательной станции Восточно-Сибирской железной дороги. Однако ударные стройки не стали главным делом жизни – влекло творчество, и Юрий Агафонов становится художником-оформителем, сначала на Чистопольском судоремонтном заводе, затем на энергоучастке Южной железной дороги. И только в 1963 году Агафонов поступает в Абрамцевское художественно-промышленное училище на отделение художественной керамики – выбор уже вполне осознанный, подтверждённый практикой.

Agafonov za rabotoy

После окончания училища, в 1968 году, с дипломом мастера-художника, Агафонов был направлен на Рамонский промышленный комбинат Воронежской области, где стал настоящим мастером по росписи глиняных изделий. В 1970 году его приглашают на Борисовскую фабрику художественной керамики Белгородской области, остро нуждавшуюся в профессиональном художнике. Юрий Петрович, хорошо знавший своеобразие и особенности народных промыслов и гончарного искусства, стал тем самым специалистом, который смог наладить выпуск изделий, отражающих историю района и области.

Агафонов отдал Борисовской фабрике художественной керамики много лет, работая в должности главного художника. Создавая новое направление фабричной керамики, в котором без труда угадывались традиции абрамцевских мастеров, Юрий Петрович в то же время с особым почтением относился к традиционным ремёслам бывшей вотчины Шереметевых. Тщательно собирал сохранившиеся старинные образцы керамических изделий борисовских мастеров, по ним возрождал традиционный гончарный промысел, а также впервые применил в глиняных изделиях синтез керамики и лозоплетения, другого традиционного для Борисовки промысла.

Новая продукция была оценена по достоинству – в 1972 году Борисовская фабрика стала участницей выставки народных промыслов в Москве на ВДНХ, а Юрий Петрович награждён медалью за достигнутые успехи в развитии народного хозяйства СССР. На фабрике был открыт экспериментальный участок по выпуску малосерийных и уникальных изделий. За годы работы на Борисовской фабрике Юрием Петровичем были созданы и внедрены в производство более двухсот образцов художественных изделий.

Obzhig

В 1980 году Юрий Петрович Агафонов награждается дипломом Всероссийской выставки-смотра изделий народных художественных промыслов. В 1983 году получает диплом победителя во Всероссийском соцсоревновании среди работников ведущих профессий отрасли и вторую бронзовую медаль ВДНХ. 1984 год приносит Юрию Петровичу диплом ВЦСПС за участие во Всесоюзной выставке произведений декоративно-прикладного искусства художников и мастеров народного творчества. А спустя два года он удостаивается диплома выставки «Производственному быту – забота и внимание» в Москве.

На рубеже XX–XXI веков Юрий Петрович перешёл на работу в Белгородский городской центр народного творчества «Сокол», а затем в Белгородский государственный центр народного творчества, где передавал свои знания, мастерство и опыт молодому поколению. В 2008 году был удостоен звания «Народный мастер Белгородской области».

С 1970 по 2012 год Юрий Петрович Агафонов был участником тридцати девяти художественных выставок – всесоюзных, зональных, областных, международных: в России, Болгарии, Румынии, Польше.

Сегодня произведения Ю.П. Агафонова можно увидеть в новой постоянной экспозиции музея «Отечественное искусство XX- XXI вв.» в разделе декоративно-прикладного и народного искусства. Камерный музейный комплекс его работ не только демонстрирует диапазон художественных интересов автора – керамическая посуда, вазы, подсвечники, декоративные блюда, но и поднимает настроение теплом, исходящим от рукотворных изделий мастера.

Serviz

В создании сервизов у Юрия Петровича был свой художественный метод, придававший каждому набору чайной, кофейной посуды неповторимый, запоминающийся образ. Причем эта образность не противоречит утилитарности предметов, не мешает пользоваться ими в быту. Сервизы Агафонова всегда несут собственную интонацию – то дыхание ранней осени, то воспоминания о золотистых тягучих каплях меда на пчелиных сотах, то белые хлопья снега в голубом, морозном воздухе, то просто хорошее настроение от ароматного кофе, выпитого из чашечки, покрытой густой шоколадно-черной глазурью.

 

В декоративных тарелках, подсвечниках, вазочках для полевых цветов и больших праздничных напольных вазах, в пластике малых форм Юрий Агафонов проявлял себя как настоящий фантазер, затейливый импровизатор. Но главное – во всех его изделиях есть то, что необходимо настоящему мастеру: высочайшее владение ремеслом, полет творческой мысли, и безграничная любовь к материалу.

Старший научный сотрудник
научно-экспозиционного отдела Половина Г.А.

РАБОТЫ СТАНИСЛАВА МИХАЙЛОВИЧА ДОЛЯНОВСКОГО ИЗ СОБРАНИЯ БГХМ

Белгородская земля полна талантами, кто-то здесь родился и вырос, кто-то облюбовал этот прекрасный край для жизни, а кто-то был направлен по трудовому распределению, как это часто бывало в Советском Союзе. Именно так, по воле случая,  в 1983 году  попал в Белгород Станислав Михайлович Доляновский. Приехал и остался здесь жить и работать.

DSC 4128
2015 год стал юбилейным в жизни художника, в этом году Станиславу Михайловичу исполнилось 65 лет. По натуре, являясь человеком скромным и не публичным, он не очень любит рассказывать о себе. Поэтому сегодня нам бы хотелось познакомить широкую публику с этим талантливым мастером.

Станислав Михайлович Доляновский родился 28 января 1950 года в селе Догмаровка Генического района Херсонской области. Тяга к рисованию проявилась с детства, ему не только нравилось рисовать, но и подглядывать с друзьями-мальчишками за творчеством заезжих мастеров.В 1977 году Станислав Михайлович поступил в Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени Репина, где учился на отделении живописи под руководством Андрея Андреевича Мыльникова.
Будучи студентом, впитал в себя лучшие традиции русской реалистической школы. Во время учебы любил бывать в Эрмитаже: как изучать собрание музея, творчество старых мастеров, так и посещать привозные выставки. Нравились картины Эль Греко, Тициана творчество Рембрандта, Ван Гога, чье влияние, не могло невольно не отразиться на становлении почерка художника.

Derevnya Staroe Kotchishe 1991С приездом в Белгород Станислав Доляновский сразу начал участвовать в выставках. За свою творческую карьеру Станислав Михайлович успел поработать в художественной группе в Доме творчества «Горячий ключ» в одноименном курортном городке Краснодарского края (1985), в Доме творчества «Академическая дача» Тверской области – первом в России Доме творчества живописцев (1991). Кстати именно на «Академичке» было написано одно из произведений, входящих в фонды Белгородского государственного художественного музея – «Деревня Старое Котчище» (1991) – небольшой рассказ о вымирающем поселении, в котором на сегодняшний день практически не осталось жителей.

 В 1990 году он становится членом Белгородского отделения Союза художников России, а с 1990 по 1992 годы входит в состав его правления как ответственный за работу с молодыми талантами.

Как член Союза много и плодотворно работает по художественно-эстетическому оформлению Белгорода, городов и районов области, формируя самобытный облик фасадов и интерьеров общественных зданий. Сегодня работы Станислава Доляновского – росписи, мозаики, рельефы – украшают новое здание «Белгородэнерго», корпус городской детской поликлиники и санаторий в Сосновке, учебные заведения не только Белгорода, но и Старого Оскола, а также Дом культуры в поселке Красная Яруга. Художник входит в число мастеров, работавших над созданием витражей, икон и живописных полотен, повествующих о житие Иоасафа Белгородского, для часовни, возводимой в честь празднования 100-летия канонизации Святителя, а также является одним из авторов «Галереи губернаторов» открытой к 50-летию Белгородской области.
Несмотря на то, что Станислав Михайлович является создателем многих монументально-декоративных композиций, занимается он и станковой живописью, но большее предпочтение отдает графическим техникам изображения: темпере, акварели, пастели, карандашу, углю, сангине и др.

Немалое место в творчестве художника занимает жанр пейзажа. По признанию самого Станислава Михайловича, у него нет более любимых и близких тем для души: «нравится изображать все, что окружает». Многие серии работ мастер создает на пленэрах, постоянным участником которых он является. Это творческие поездки как регионального, так и международного уровня: по Белгородчине («Ракитное–2002», «Алексеевка–2005») и Вологодской области, в Барселону (Испания), Ополе (Польша).

Итоги подобных поездок, пейзажи и сюжетно-тематические композиции хранятся сегодня в собрании Белгородского государственного художественного музея, в частных коллекциях России, Польши и Франции. Всего же в фондах музея находятся 5 живописных произведений и 12 графических листов, созданных как в период творческого становления художника, так и в его зрелые годы.

Станислав Доляновский считает, что работа на пленэре с природой, с «живым материалом», для любого художника является квинтэссенцией его мастерства, ведь именно здесь надо за считанные часы создать завершенное произведение.
Osen 1985 гНа его картинах города и деревни, генетическую связь с которыми он ощущает сильно и глубоко, выглядят достоянием прошлого. В них нет суеты, а лишь тихая размеренность жизни. Автор как будто намеренно уводит на своих работах нас в мир отвлеченный, в мир своих воспоминаний.

Вдохновляют Станислава Михайловича не только пейзажи, но и люди, встречающиеся в местах путешествий. Так на рисунке «Две сестры», мы видим изображение бабушек, местных долгожителей Марии и Лиды, которые очаровали художника своим тихим бытом: работой на участке, топкой домашней уютной печи. Тема сельского образа жизни раскрывается также в произведениях, написанных в окрестностях Алексеевки («Сеновал», 2005) и Хотмыжска («Осень» и «Терновник», 1985; «Пейзаж», 1990).
Podvorie 1987

Есть в коллекции художественного музея произведение с одной из первых поездок художника в город Ополе. На нем запечатлены улицы населенного пункта Клодница («Подворье», 1987), сегодня являющегося частью города Кендзежин-Козле. Эта работа, как и многие другие, выполнена в технике пастели, и это не случайно.

Пастель особо импонирует художнику за живость, мобильность, податливость материала. Так за 2-3 часа можно полностью закончить произведение, довести до завершенного состояния и не вносить других элементов и доделок в мастерской. Пастель позволяет запечатлеть мимолетное видение и вдохновение, не нарушить «этюдность» работы, то хрупкое первое впечатление.

Конечно, художник берет с собой на пленэры холсты – нравится ему работать и маслом, – но графических работ все равно получается больше.
У Станислава Михайловича есть своя мастерская, в которой он также создает множество произведений. Отсюда родом его пастели «Натюрморт» (1989) с изображением яркой птицы – индюка, «Натюрморт с рыбами» (2002), на котором запечатлена добыча, привезенная с моря.

Можно среди его работ увидеть и акварель, например «Сельский сторож» (1987). Главным героем произведения является лысоватый, ссутулившийся от непростой жизни человек – сосед художника. Изображение деревенских домиков вдали и маленькая собачка, вьющаяся под ногами мужчины – образы, конечно, не буквальные, опосредованные, но являющейся тонкой ниточкой, ведущей к воспоминаниям о детстве.

Что касается портретных работ, то они всегда отмечены меткостью и остротой характеристик, жизненной достоверностью типажей. На полотне «Мужской портрет» (1988–90 гг.) запечатлен художник Анатолий Гребенюк, изображенный в непростой период своей жизни.

Oksana 1986
Avtoportret 2003Muzhskoy portret 1988 90

 

«Оксана» (1986) – экспериментальная работа на тонированной бумаге. Это произведение положило начало серии графических листов, выполненных художником цветными карандашами. Женский портрет стал одним из самых запоминающихся среди работ мастера, хранящихся в Белгородском художественном музее.

Особенно впечатляет «Автопортрет» (2003) Станислава Михайловича. Детали и нюансы в нем, по словам художника, были проработаны в качестве «подсобного, технического материала», работы с цветом, светом и анатомией. Это не единственный автопортрет мастера, но лишь некоторые из них переросли из обычной штудии в самостоятельное законченное произведение, несущее особое настроение и мироощущение художника.

Naturmort 1991Мощная энергетика полотен Станислава Доляновского оказывает сильное эмоциональное воздействие в немалой степени благодаря насыщенному, плотному колориту. Рисунки и картины оригинальны по композиции и выразительны по колориту, выполнены в особом, почти монохромном цветовом строе, которому присуща эмоциональная напряженность. Цвет в его полотнах является одним из важнейших составляющих аспектов его творчества, неся на себе существенную семантическую нагрузку. Показателен в этом плане «Натюрморт», созданный в 1991 году. Пропитанный духом символизма, он выполнен в живописной манере. Зритель видит букет сухих трав и скульптурную композицию с ангелом и драконом, созданную руками жены художника – белгородского скульптура Ольги Трофименко.

Сегодня творчество мастера идет в сторону «расцвечивания» своих работ, насыщения их «полноценными» цветовыми отношениями. Произведения становятся менее графичными и более живописными, примерами подобных работ могут служить документально-монументальные пленэрные работы «Ракиты. Этюд» (2010) и «Слоны»(2013).
Rakity. 2010
Хотелось бы также отметить, что Станислав Михайлович является не только хорошим практиком, но и опытным преподавателем. С 2003 по 2004 год художник преподавал в Белгородском государственном университете, а с 2004 по 2010 являлся доцентом кафедры «Дизайн и декоративно-прикладное искусство» в Белгородском государственном институте культуры и искусств. Сегодня он проводит занятия в художественной студии при Союзе художников.

Также художник является членом областного выставочного комитета и активно помогает скульптурным проектам жены, поэтому на свободное творчество времени почти не остается.
Произведения Станислава Михайловича неоднократно экспонировались на зональных, всероссийских, областных и республиканских художественных выставках. Произведения художника побывали в Воронеже, Ярославле, Санкт-Петербурге и Москве, Харькове (Украина), Ополе (Польша), Херне (Германия).

К 65-летию художника Белгородский государственный художественный музей подготовил юбилейную персональную выставку произведений Станислава Доляновского из фондов музея. На открытии вернисажа поклонники изобразительного искусства получили возможность не только познакомиться с творчеством талантливого художника, но и пообщаться с самим автором представленных работ.

Научный сотрудник отдела учета и хранения фондов
 Сайкова Ю.А.

ЭТО ТАКОЕ СЛУЖЕНИЕ, ТАКОЕ СЧАСТЬЕ

Станислав Семенович Молодых… Этот художник – мастер исторической картины – сразу заявил о себе после окончания Академии художеств на крупнейших выставках. Его работы написаны так, словно кистью его двигала душа.

MolodyhСтанислав Молодых – живописец, пейзажист, портретист, создатель больших картин на темы из русской истории и современной жизни России, действительный член Петровской академии наук и искусства. Сегодня его знают как автора полотен из цикла «Пугачевщина», «Александр Невский», «Русский бунт», «Психушка» и многих-многих других. За перечнем этих работ целая жизнь.

Родился будущий художник в 1942 году под Белгородом, в селе Быково. Во время Курской битвы С. Молодых с матерью и братом чудом остались живы – скрывались от фашистов в лесах, в землянках. Вернувшись с фронта, его отец стал краснодеревщиком. Мама воспитывала детей,  шила, вязала для них одежду. Не выделяла в семье ни одного ребенка, любила каждого. Никогда не била, часто гладила по головке, похваливая, если ребенок того заслуживал. Родители вырастили семерых детей и по праву гордились ими. Один брат Станислава стал физиком, другой хирургом, третий математиком. Есть в семье военный. Как вспоминает сестра Станислава Семеновича, Надежда Семеновна Куковицкая, все они тянулись друг за другом, жили дружно.

С 5 лет Станислав рисовал. Повзрослев, он часто ездил в Москву, чтобы побродить по залам Третьяковки, посетить выставки. Денег на поездки не хватало, и Станислав вместе с другом добирался до столицы на крыше вагонов. Об опасности никто не думал – ведь это поездка в Москву, а там – встреча с прекрасным!

В 1963 году Молодых с отличием окончил Курское художественное училище. Мечтой его была Академия художеств. Туда он поступил через год после окончания училища – в первый раз не смог предоставить в приемную комиссию обязательные жанры, да и, как оказалось, нужен был рабочий стаж. Поэтому, вернувшись домой, стал работать учителем рисования в школе в селе Охотчевка Курской области. И продолжал ездить в Москву в так полюбившуюся ему Третьяковскую галерею.

На следующий год Станислав Семенович стал студентом Академии художеств. После того, как он увидел себя в списках поступивших, сразу побежал на почтамт и отправил телеграмму домой, в которой было всего два слова: «Я студент». Во время учебы он часто писал письма родным. И обязательно в конце был рисунок, который рассказывал о его занятиях, друзьях, увлечениях, его представлении о будущем.

Ленинград, в котором он прожил всю свою жизнь, Молодых полюбил с первого мгновения: бродил по городу, любовался архитектурой, городскими пейзажами, делал зарисовки. Станислав Семенович составил план посещения музеев. Часами ходил по залам, наслаждался творчеством великих мастеров. А еще бегал в филармонию и консерваторию. Особенно любил Баха и Вивальди – замирал и погружался в мелодию.

В 1971 году Академия художеств была окончена. Дипломную работу Молодых признали лучшей, и ему предложили место в Творческой мастерской Академии художеств под руководством В. Орешникова. Два года в период с 1971 по 1973 гг. проработал Молодых, обучаясь у этого талантливого художника.

Molodyh God 1929

Писал он очень быстро, эскизы выполнял углем. И если что-то необходимо было исправить, Станислав Семенович рисовал заново – уголь не сотрешь.

Как вспоминала в своей статье «Жажда жизни» дочь художника Ксения, бытовая сторона художника подчас интересовала мало. Подкладка на его пиджаках и пальто часто отсутствовала – чтобы вытереть кисти, нужна была ткань, а покупать ее было некогда.

На Новый год Станислав Молодых всегда загадывал одно и то же желание – написать хорошую картину. Лучшим подарком для него были краски или хорошая бумага для набросков.

По-настоящему работать Молодых стал в мастерской на Ивановской улице, 6. Здесь он начал писать «Александр Невский в Орде», создал  групповой портрет художников «Ивановская, 6» и полотно «Русский бунт».

Molodyh Pugachovshina

Одной из самых любимых для художника работой была картина «Психушка». Молодых говорил: «Люблю писать полотна большого размера. Вообще я написал с десяток пятиметровых картин. Два года я пробился над самой современной для себя картиной «Смута».

Работу свою Станислав Семенович любил, он говорил: «На самом деле это не работа – это такое служение, такое счастье!». С восхищением отзывался о творчестве великих художников: «В учебной мастерской над мемориальной доской с надписью «Здесь преподавал Илья Ефимович Репин» был выставлен мой эскиз. Вы представляете мое чувство? Увидеть бы, как Репин кладет мазок –  и умереть!».

Трагической смерти художника предшествовало примечательное событие. На одной из ленинградских выставок работы Молодых понравились случайным посетителям из Америки. Они приобрели несколько работ, познакомились с их автором, побывали в мастерской и в знак признательности пригласили его в гости. Станислав Семенович принял приглашение равнодушно. Но вызов из Америки пришёл вторично, и художник решился.

Уже в Америке, в самолете ему стало плохо. А по дороге из аэропорта перестало биться сердце художника. Его прах захоронен в Александро-Невской лавре Никольского кладбища Санкт-Петербурга.

Станислав Семенович говорил: «Какие бы сложные времена ни были, сила свыше никогда не вырывала у меня кисти и всегда давала выжить. Бог требует только одного: не предавай свою работу, люби. Вот и все. Он мало требует. Можно сказать, ничего от меня не требует. Мало! Но и много одновременно».

До конца своих дней Станислав Молодых  был предан живописи. Его работы, как дети, – продолжение художника, они – память о нем. Многочисленные картины, этюды, эскизы Молодых живут в разных концах света. В состав коллекции Белгородского художественного музея вошли тридцать два его произведения. Самые масштабные («Год 29», «1773 год», «Пугачевщина») находятся в постоянной экспозиции. Двадцать  работ насчитывается в музейно-выставочном центре «Петербургский художник». Есть они и в частных коллекциях России, Германии, Италии, США, Канады.

Molodyh 1773

P.S. Когда эта статья была написана, мне представилась возможность поговорить о Станиславе Семеновиче с его младшей дочерью, которая живет в Санкт-Петербурге и скоро станет искусствоведом (учится в институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина). На мой вопрос, о чем бы она хотела рассказать, вспоминая отца, Ксения ответила: «В моей жизни он является одной из главных фигур. Каким я запомнила его в последние годы жизни? Седым стариком в очках, с больными руками и ногами (у него был полиартрит, на руках были шишки, кисти не сгибались в кулаки), но при этом он обладал удивительными жизнестойкостью и силой. У папы было много мрачных сюжетов в творчестве: народные восстания (серия картин про Емельяна Пугачева), сумасшествие («Психушка»), предательство («Александр Невский в ставке Батыя»), проблема выбора и проблема нищих. Но я точно могу сказать, что он, пропуская эти темы через себя, не был мрачным человеком. Он своим многогранным даром «рассказчика маслом» давал этим сюжетам жизнь на холсте и возможность зрителю рассматривать и думать. Думать о своем, составлять свое представление – так рождалась связь между автором, полотном и созерцателем. Он был прекрасным собеседником. В его мастерской регулярно собирались «коллеги по цеху». К нему приходили за советом или узнать мнение. Но я ни разу не слышала от папы нелестный отзыв в адрес какого-нибудь художника. Голос папы до сих пор звучит в моей голове. До сегодняшнего дня он играл и играет самую большую роль в моей жизни».

Старший научный сотрудник БГХМ
Титовская О.В.

ВЫСТАВКА ОФОРТОВ И.И. ШИШКИНА В БГХМ

22 мая 2015 года в выставочном зале Белгородского государственного художественного музея в рамках проекта «Достояние музеев России – белгородцам!» состоялось торжественное открытие выставки «Иван Шишкин. Офорты» из фондов Севастопольского художественного музея им. М.П. Крошицкого.

И. Шишкин "Автопортрет" (1886)

На выставке зритель может познакомиться с интересной и, вместе с тем, менее известной долей наследия мастера, – гравюрами. В музей М.П. Крошицкого эстампы с изображениями природы попали в 1989 году, полную коллекцию печатных произведений передала музею вдова ботаника и геолога Евгения Лавренко, члена Академии наук СССР и страстного коллекционера.

Шишкин Иван Иванович родился 13 января 1832 года в маленьком провинциальном городе Елабуга, расположенном на высоком берегу Камы. В 12 лет был определён в ученики 1-й казанской гимназии, но, дойдя в ней до 5-го класса, оставил её, объяснив свой поступок отсутствием желания становиться чиновником.

В Московское училище живописи, ваяния и зодчества (1852–1856) Шишкин поступил только к двадцати годам, с трудом преодолев устои семьи, противившейся (за исключением отца) его желанию стать художником. В августе 1852 года он был уже включен в список учеников, принятых в Московское Училище живописи и ваяния, где получил хорошую подготовку под руководством Аполлона Мокрицкого, бывшего воспитанника Алексея Венецианова.

В училище Иван Шишкин сразу раскрыл себя как непревзойденный пейзажист. Здесь же он впервые познакомился с техникой гравюры и воспроизвел чужую работу под названием «Горная дорога» (1853), но уже в этом произведении чувствовался самобытный художественный почерк будущего мастера.

Богатство и разнообразие растительных форм поистине увлекло художника. Ему казалось интересным все – изображение старого пня, коряги, сухого дерева, былинок на ветру. Иван старательно изучал анатомию природы, делая множество зарисовок с натуры. Все рисунки будущего мастера были предельно просты – сосна на обрыве или у воды, кустарник на болотистой равнине, каменистый берег извилистой реки. Вместе с тем художник изображал телеги, сараи, заборы, придорожные часовенки, пасеки и ульи, всевозможные лодчонки, которые впоследствии также нашли свое место во множестве работ, хоть и имели второстепенное значение.

К окончанию обучения Шишкин уже приобрел некоторые профессиональные навыки как пейзажист и стал заметно выделяться талантом среди товарищей. Но желание к совершенствованию рисунка подвигло его в январе 1856 года отправиться в Санкт-Петербург для поступления в Академию художеств.

Спустя несколько месяцев после поступления, Шишкин начинает привлекать внимание преподавателей своими пейзажами с изображением окрестностей Петербурга, а в 1857 году получает за них две малые серебряные медали, а в 1858 и малую золотую медаль. К этим годам относятся и первые опыты молодого художника в литографии. По авторским наброскам Иван Шишкин исполняет 14 работ литографским карандашом на камне для книги Алексея Владимировича Вышеславцева «Очерки пером и карандашем из кругосветного плавания (1857–1860)». Но из-за нехватки денежных средств данные произведения увидели свет в «Русском художественном альбоме» лишь в 1961-м году.

Обучение Шишкина в Академии художеств у Сократа Воробьева почти никак не сказалось на его творчестве. Подлинной школой для Ивана Ивановича стал остров Валаам, служивший местом летней практики учеников-академиков и поразивший художника своими гранитными скалами, вековыми соснами и елями. Окончив в 1960-м году Академию художеств с большой золотой медалью за «Местность Кукко на Валааме», Шишкин уезжает в пенсионерскую поездку за границу.

В 1863 году в Цюрихе (Швейцария) Шишкин посещает мастерскую профессора живописи Рудольфа Коллера, анималиста и пейзажиста. Коллер в то время жил и работал в доме на берегу прекрасного Цюрихского озера, которое, как и сам город, окружен горами. Именно там Иван Шишкин снова пробует себя в технике офорта, популярно именуемой граверами того времени «царской водкой». Позднее художник пробно исполняет ещё две гравюры, но они выходят настолько хорошими, что пробуждают у мастера желание серьезней отнестись к созданию подобных произведений. К сожалению, последовавший возврат на Родину и необходимость много работать над живописными полотнами отвлекают художника от полюбившегося занятия.

Получив по возвращении из пенсионерской поездки звание академика, Шишкин становится одним из учредителей Товарищества передвижных художественных выставок. В 1970 году он снова принимается за гравирование и основывает «Обществе русских аквафортистов» (1871–1874), будучи членом-учредителем товарищества. Как более опытный среди членов кружка, помогает многим своим советом и примером, и вместе с ними публикует свои работы в коллективных изданиях гравюр.

В 70-е годы Шишкин начал посвящать все больше времени гравюрам, стараясь выкроить минуты досуга между написанием крупных живописных произведений. К этому времени относятся его знаменитые полотна «Пасека в лесу» (1876) и «Рожь» (1878).

Если другие художники современники в основном использовали офорт для репродуцирования своих работ, то Иван Шишкин нашел в ней способ создания новых произведений, позволяющий сохранить манеру и  богатство линейно-штрихового рисунка. Он выпускает эстампы, как отдельными листами, так и целыми сериями, с каждым разом все больше пробуждая энтузиазм коллекционеров и заставляя соревноваться в погоне за первыми и лучшими оттисками произведений.

Шишкин много времени и сил уделяет изготовлению офортных досок и создает за свою жизнь свыше ста листов, посвятив их целиком изображению родной русской природы, в которых сумел органически объединить черты романтизма и реализма. Кроме обычного приема иглой, художник в работе активно применял мягкий лак, акватинту и сухую иглу. Одно время, с целью найти новый, менее затратный и более действенный способ размножения своих композиций Шишкин предпринимает ряд опытов в цинкографии.

papka

В 1868 году выходит первый альбом его гравюр (6 литографий) «Этюды с натуры пером и на камне», в мае 1873 года он подготавливает и сам печатает свой первый альбом офортов (11 листов), выпущенный в качестве премии «Общества поощрения художников». Следующие две папки выходят в 1878 и в 1886 годах, ну а в 1894 году выпускается альбом «60 офортов И.И. Шишкина. 1870–1892».

Ретроспективный альбом, выпущенный санкт-петербургским издательством Адольфа Федоровича Маркса, вобрал в себя все лучшие гравюрные работы Ивана Шишкина. Сегодня доподлинно известно, что хоть издатель и выкупил у художника офортные доски в полную собственность, но продолжал тиражировать листы под чутким руководством мастера. И это не удивительно, Маркс и Шишкин уже давно поддерживали партнерские отношения. Их деловые связи установились, когда Иван Иванович начал иллюстрировать первый в России массовый еженедельный журнал «для семейного чтения» – «Нива».

Примечательно, что на выставке в Белгородском государственном художественном музее представлены все 60 офортных листов, изначально вошедших в альбом. Некоторые из них как раз готовились как приложение к журналам «Пчела», «Свет» и «Нива».

К подобным произведениям относится пейзаж «Ульи», художник приблизил к зрителю ульи и крытый соломой сарай, сократил подробный рассказ и достиг большой емкости и цельности художественного образа.

В 80-е и 90-е годы художника все чаще привлекают изменчивые состояния природы, быстро проходящие моменты. Благодаря интересу к свето-воздушной среде ему хорошо удаются произведения с переменчивым состоянием природы: небом после дождя («Перед грозой», «На реке после дождя»), ночью («На прорубке», «Гурзуф») и сумерками («Зорька»).

В офортах Шишкина можно встретить множество изображений памятников природного и археологического наследия. Среди них «Царев Курган», «Ели в Шуваловском парке» и «Гора Аю-Даг» – портрет «несостоявшегося» вулкана, покрытого реликтовыми растениями, особых сортов фисташек и можжевельника.

«Лесные цветы», «Первый снег», «Поле», «Крым» и многие другие произведения, помимо их удивительной верности природе, погружают зрителя в мир неуловимых ощущений. Лесной ручей чуть струится в камнях. Кругом виднеются живописные разломы скал и обрывы. Молчат  вековые ели, кондовые сосны, дубы, рощи березок и кустарники папоротника, хранящие в своих листьях свежесть. Движение вод и трав чудиться – его видишь не глазами, а чувствуешь. Везде тишина и простор.

И. Шишикин "Муравейник" (1885),  из собрания БГХМ

Среди наиболее интересных произведений выставки – офорт «Муравейник», и не один, а целых два. Один из этих ценных экспонатов приехал в Белгород с остальными листами альбома, а второй подарен  Белгородскому государственному художественному музею в 2007 Губернатором Белгородской области Е.С. Савченко на открытие нового здания.

В экспозиции можно увидеть и автопортрет Ивана Шишкина, исполненный в 1886 году. Фон портрета выполнен динамичным штрихом, как и большинство произведений мастера.

Офорты И.И. Шишкина представляют большой интерес, так как дают наглядное понятие о разнообразных приемах офорта, игры  линий и теней в черно-белом цвете.

В произведениях видно стремление художника к пластической трактовке «Автопортрет» (1886) природных форм, анатомичности  рисунка, а также хорошая профессиональная выучка.
Живи и работай он в одном из европейских художественных центров своего времени или заботься больше о распространении эстампов за рубежом, – известность Ивана Ивановича Шишкина как превосходного гравера была бы большей. К сожалению, сегодня офортам Шишкина дань уважения отдают лишь горячие любители искусства и страстные коллекционеры.

И в конце хотелось бы отметить, что данная экспозиция поистине является уникальной. Она не только знакомит посетителя с редким печатным изданием, но и позволяет насладиться малоизвестными произведениями выдающегося мастера, лучшие из которых стали классикой национальной живописи и графики.

Младший научный сотрудник
отдела учета и хранения фондов
Сайкова Ю.А.